POMO

Es un Ciudadano Kane para la comunidad gay. Una película que habla abiertamente, pero con elegancia y sensibilidad, de todo lo que Moonlight: La historia de una vida temía decir, y lo enmascaraba con el brillo artístico de la luz de la luna. Una obra maestra con muchas escenas incómodas para el espectador heterosexual, pero una narración suprema para el cinéfilo exigente y perspicaz. Es una de las películas más potentes sobre el primer amor y la pasión cien por cien comprometida de un hombre por otro hombre. Su fuerza está en el detalle y precisión con los que describe la profundización de una pasión prohibida. En la dirección de los actores, que consigue unas interpretaciones fenomenales. El uso de la música es original, capta bien la atmósfera y el estado de ánimo de la época y el lugar, y su motivo principal, entorno a las obras de arte y la admiración por ellas y, sobre todo, el monólogo final del padre y los créditos finales. Todo el tiempo, pero especialmente desde el primer diálogo abierto en la plaza, tuve la sensación de estar viendo un clásico del cine de los setenta de uno de los maestros del cine europeo como Tornatore o Fellini. El cine de relaciones románticas referenciales que aprenden en las escuelas de cine y que nadie intenta siquiera imitar, y mucho menos superar.

Paranoia, miedo, aislamiento, desesperación. Película psicológica oscura con elementos de terror, tal vez del bosque que Mortensen y su hijo recorrieron en La carretera y tal vez solo de un mal sueño. Mucha cosa por poco dinero para actores de calidad.

Una película de acción para adultos que trabaja con personajes y emociones como en un drama épico. En lugares realistas y vibrantes, con acción como la de James Cameron y la mejor interpretación de la música ultra oscura de Beltrami (pero no sirve para escucharla sola). Más un éxito de la banda sonora de Django de Tarantino. A los cómics les doy 5 estrellas muy pocas veces.

Superviviente zombi de los prados y bosques franceses. Las localizaciones parecen tener lugar en la República Checa. Los personajes no son muy interesantes, el ritmo de la narración tampoco, y visualmente es ordinaria. Pero el espíritu sombrío y la profundidad dramática de la desesperación le dan personalidad. [Sitges FF]

La historia de dos jóvenes que intentan llegar a la costa a través de una Bolivia devastada por la guerra y ver el mar por primera vez. Además de conocer al padre que se fue sin decir nada hace tiempo. Más débil, más banal de lo que parece. Ingenuamente, sin un contexto más amplio en el que se perciba la guerra. [Sitges FF]

La película te permite acompañar a las chicas en su travesía de nueve meses por el Pacífico, desde California hasta Australia (!). Dos horas de sueño/descanso, dos horas de remo, una y otra vez durante nueve meses. Una actuación admirable, tanto física como, sobre todo, mentalmente exigente. No experimentan tormentas en las que se jueguen la vida, ni las atacan tiburones mientras nadan, pero el estrés mental que sufren (confesiones a las cámaras) son suficientes para impulsar el documental, un estudio psicológicamente interesante de la persona deprimida en una situación inusual. ¡Admirable!

Una obra elaborada con cariño que funciona con amplias imágenes pintadas, voces de actores cuidadosamente dirigidas y la tradicionalmente profunda y fatídica música de Mansell. Una esqueleto argumental de género negro con un misterio absorbente y signos de interrogación engañosos, variado con los diversos personajes que el protagonista conoce y los hermosos pensamientos poéticos de las cartas de Van Gogh escritas antes de su muerte. El corazón de la película es la propia vida de Gogh, su existencia de outsider atormentada por la duda. Una existencia con una percepción excepcional de la vida y la capacidad de traducir la cara positiva de su alma en una obra de arte. Su historia íntimamente dramática, como artista ahora célebre, es atractiva para el público, y no solo para quienes se sienten incomprendidos y anhelan reconocimiento y una mayor aceptación. La canción «Starry Starry Night», de la cantante Lianne La Havas, cierra el conjunto de una manera muy bella.

La charla de un anciano sobre nada más que la vida. Los personajes son simpáticos, el escenario es gratificante para el público, pero ambos están infrautilizados. Y Lynch dice aquí la mayor de las tonterías, sin añadir dimensión a la película conectándola con los temas de su obra. Me lo imagino en una interpretación más atmosférica, poética y significativa de, por ejemplo, Jim Jarmusch. Y es una gran idea.

Admirable intención creativa de expresar una idea fuerte, ejecutada de forma demasiado abstracta. ¿Pero por qué no? El enfoque en los sentimientos del personaje principal en la primera mitad de la película es tan formalmente preciso y psicológicamente atractivo como pocos directores vivos saben hacer. Aronofsky lo sabe y por eso tiene el coraje de desprenderse tanto en la segunda mitad. Como un pintor que mueve espontáneamente el pincel y su línea aparentemente inquietante, acaba convirtiéndose en un valor único de la obra en su conjunto. Acepto, reconozco y me embriago felizmente con la impresión final de la película.

Un granjero persigue a los miembros de la mafia que mataron a su madre. Acento irlandés, aspereza nórdica y un extraño humor negro. Por desgracia, el villano más interesante (el famoso «cara redonda» David Pearse) es el primero en caer, y el jefe máximo de los malos es, irónicamente, el personaje menos hilarante de la película. Pero al margen de la mal entendida gradación en este sentido, la película conserva cierta personalidad, principalmente gracias a un protagonista atípico y bien interpretado por el menos conocido Nigel O'Neill. Una película un poco de festival, que presenta un tema del género a su manera.