Filmmaniak

Es sintomático que Švankmajer inicialmente explique que escribió el guion de una vez, niega que tenga sentido y no tiene idea de que trata. El resultado es un ejercicio increíble de subversión narrativa con actores deliberadamente vergonzosos, no hay continuidad del tiempo ni de la edición y con frecuencia se notan las inserciones, donde se nota que Švankmajer dirige y comanda al equipo, o los actores hablan de los sueños que tienen. En cualquier caso, realmente no tiene sentido, y tampoco tiene un significado más profundo, es más un experimento que pone todas las reglas narrativas sobre los hombros. A veces es extremadamente divertido, pero otras veces es adormecedor y deprimente. Y en algunos momentos, lamentablemente, no es posible descifrar cuando la subversión y la no continuidad es todavía una intención creativa y cuando ya es un error no deseado.

A la luz de comedias checas como The Spooks or Chasing Fifty, en las que el motivo de la violación se utiliza de manera repugnante y amoral como fuente de humor de mal gusto, es necesario enfatizar la importancia del hecho de que en la cinematografía local contemporánea también existe una película de este tipo, que trata el trauma de las mujeres por violación de manera bastante seria y psicológica. Es honrada por actores creíbles que interpretan en su mayoría personajes claramente antipáticos, una atmósfera fuerte subrayada por el ambiente poco atractivo del instituto y una cámara que pinta imágenes frías y deprimentes así las distintas escenas emocionalmente impresionantes. Sin embargo, no es tan impresionante la trama en sí, la forma en que se cuenta y la descripción de situaciones clave específicas. La discutible falta de fiabilidad del acto introductorio de violación no se deriva necesariamente del hecho de que la niña no grita en su defensa, sino de que el violador elige un momento extremadamente arriesgado para ese acto, en el que posiblemente podría ser fácilmente traicionado. Que la protagonista guarde silencio sobre su ataque se justifica por posibles temores de vergüenza, pero la película trata esto de manera demasiado superficial, porque no deja que la protagonista hable de sus sentimientos. En conclusión, aunque afirma que no quiere ser considerada una víctima, la propia película la presenta como víctima el noventa por ciento del metraje, por lo que no puede ser percibida de otra manera. En la película, casi parece como si las víctimas de la violación no tuvieran más remedio que colapsar en su totalidad mentalmente y convertirse en ruinas permanentemente afligidas y anhelando el suicidio, y una estancia en un hospital donde sólo se encontrará con psiquiatras incompetentes, descargas eléctricas y pacientes que son vulgares y no ayudan en nada. Al exagerar la creciente desesperación, la película crea sentimientos sombríos de desesperanza, en lugar de actuar terapéuticamente, mostró cómo trabajar con esos sentimientos y cómo superar el trauma. Algo de satisfacción llega al final, pero solo de manera muy simplificada y superficial. Una posible interpretación es la posibilidad de que Filthy muestra un caso aterrador y que las víctimas de agresores sexuales no deben tener miedo de salir con la verdad. En cualquier caso, el principal significado de Filthy, a pesar de su rezago en el tratamiento, radica en su contribución fundamental a la discusión sobre el tema socialmente grave de las agresiones sexuales y sus consecuencias, lo que definitivamente se agradece.

Prácticamente un medallón estándar, en el que, por mucho, lo más interesante son las partes dedicadas a Heath Ledger como un talentoso cineasta experimental y director de video, profesión con la que la gente no suele asociarlo. La mayor parte del documental, sin embargo, consiste principalmente en extractos de varias películas, secuencias de filmación y entrevistas con otros cineastas, amigos de Heath y familiares que, con lágrimas en los ojos, recuerdan lo genial que era. Es obvio cuánto talento actoral ha perdido el mundo, pero esta película ciertamente no trae muchas novedades, solo funciona como un recuerdo nostálgico y prefiere saltarse los temas desagradables de inmediato.

Un espectáculo de extrañeza, ambientado en un mundo pagano ficticio basado en los mitos estonios. Está bellamente filmada en blanco y negro, cuenta con una imaginación increíble y definitivamente es original, pero todas esas ideas asombrosas (criaturas cazadoras con herramientas antiguas, la protagonista es un lobo, sonámbulos, invitados escupiendo, aldeanos absurdos que luchan con la plaga, bebidas de amor mezcladas con heces, conversaciones poéticas con un muñeco de nieve, marchas de los muertos y todo lo demás) lamentablemente solo están presentes en forma bizarra aislada, lo que crea al máximo la atmósfera de un entorno mágicamente realista. Sin embargo, no tienen ningún significado para la trama. Es la historia de una chica enamorada, cuyo ser querido está interesado en otra persona, es entonces solo una torsión, en la que ninguna de las fantasías mencionadas anteriormente se sostiene adecuadamente, y todo se desmorona poco a poco. Sin embargo, si los organizadores del festival Weird Europe (Europa Extraña) estaban buscando candidatos adecuados para ser incluidos en el programa, Noviembre es una opción clara.

Desde el punto de vista del espectador, un espectáculo extremadamente exigente, principalmente porque Haneke aparentemente decidió deleitarse con la omisión, muchas escenas carecen de contexto de forma deliberada y se regresa a las mismas decenas de minutos después. Por lo general, es posible que vea a alguien enviando un correo electrónico, pero no sabe quién lo escribe ni a quién se envía. O que a alguien le pegan, pero no ves quién y no sabes por qué y luego se revela a lo largo de la película. Siempre puedes descubrir indirectamente, mucho después del incidente, que un personaje ha intentado suicidarse, se ha comprometido o está muerto. La conexión con la película Amor está aquí, pero básicamente no es importante y ni siquiera hay que ver la película. En cualquier caso, este rompecabezas narrativamente complicado, que requiere una atención extraordinaria por parte del espectador, no proporciona más que un vistazo a los motivos personales y a las tragedias de una familia burguesa rica y nada más, lo cual es una lástima.

Se pueden encontrar muchas ideas y temas en esta historia de cómo un grupo de trabajadores alemanes intenta establecer relaciones con los habitantes búlgaros del pueblo cerca del cual trabajan, sin embargo, falta la trama y es más una secuencia de escenas de cómo la gente es capaz de entender sin conocer el idioma, incluso de pelear. Es un estudio de personajes lento en el contexto de la campiña búlgara que está inteligentemente dirigido y atendido con éxito por personas naturales que no actúan, pero al mismo tiempo perfectamente discreto, poco dramático, inclusivo y no dice nada concreto que pueda quedarse en la memoria.

Casey Affleck muere al comienzo de la película y pasa el resto de la historia (a excepción de algunos flashbacks) debajo de las sábanas, en forma de fantasma. La primera parte es brutalmente aburrida (predominan los planos largos estáticos en los que pasa poco, una secuencia de cuatro minutos en la que Rooney Mara come un pastel solloza) y la segunda parte es terriblemente confusa y extraña, porque en ella salta salvajemente en el tiempo. Si lo entendí bien, fue solo porque otro personaje de la película me lo explicó de antemano, y quién más sabe si no. Existen alrededor de media docena de ideas brillantes en toda la toma, pero cada una de ellas se usa solo marginalmente y luego se elimina de la vista. Es una pena, la fuerte atmósfera de la película definitivamente no falta y funciona como una extravagancia para festival, pero desde el punto de vista de la película, A Ghost Story se desmorona desesperadamente y al final se queda buscando en vano un significado.

Más bien, es sólo un estudio de relación superficial en el que los sufrimientos diarios de los médicos que se enfrentan a hipocondriacos, casos agudos complicados, demandas poco realistas de un nuevo jefe y quejas histéricamente distorsionadas de “clientes” insatisfechos capturan más que los problemas sentimentales de la pareja central. No hay grandes emociones ni giros, sin embargo, la trama transcurre sin problemas y a un ritmo decente, el tema es interesante y toca muchas preguntas, temas y motivos notables, de los cuales, no obstante, solo unos pocos se cierran al final.

Las respuestas entusiastas del Sundance anunciaron que podríamos tener la comedia del año aquí, pero el milagro no sucede. La gran enfermedad del amor es una comedia romántica independiente completamente estándar, de las cuales hay de decenas a cientos. Aunque podría decir que es moderadamente divertida. Sin embargo, se diferencia de las demás por los temas pakistaníes y sus graciosos orígenes, que ciertamente se le pueden atribuir, así como también por los motivos no del todo habituales de la madre que separa a su hijo de la familia por ignorar las tradiciones culturales, bromas sobre terroristas musulmanes y posibles interpretaciones metafóricas de las consecuencias mortales por una mentira entre dos socios.

Básicamente, podría calificarla entre 0% y 100% dependiendo del valor de alcohol que se tenga en la sangre. Por un lado, un monstruo increíblemente malo, por otro lado, diversión escandalosa, donde a menudo puedes reír a carcajadas. En definitiva, una perla más en el tesoro de las peores películas del cine mundial es tanto su fracaso extremo e incapacidad creativa en todos los niveles que la hacen tremendamente divertida. Todo un gourmet de tonterías. Una bomba de tiempo, similar a Plan 9, Turkish Star Wars o Robot Monster, que puede ver bajo su propio riesgo.