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Lo único peor que encontrar una araña en tu piso es perder una araña en tu piso. Precisamente un evento así en la película provoca la infestación de todo el edificio de pisos con arañas venenosas (o lo que fuera), desde el sótano hasta el ático, donde nuevas arañas se multiplican a un ritmo sorprendente y cada vez son significativamente más grandes que las anteriores, y justamente en esto la película al final coquetea ligeramente con el género de ciencia ficción. El entorno realista de una urbanización y el enfoque fresco de un joven cineasta capaz y lleno de energía es exactamente lo que necesitaba el género de terror sobre arañas. Después de un largo comienzo con la introducción de los personajes, la acción comienza a volverse realmente intensa y aumenta constantemente, y especialmente para las personas que temen a las arañas, algunas escenas superarán el límite de resistencia. De todos modos, todos se sentirán mal. La mejor película de terror de arañas desde Aracnofobia del año 1990.

Un drama con elementos de terror sobre una limpiadora filipina y madre soltera que logra conseguir un trabajo y vivir en un lujoso hogar británico que, sin embargo, si se mira más de cerca esconde muchos secretos. La película es una crítica social distintiva y estilísticamente significante, incluido el motivo de los inmigrantes que intentan integrarse a la sociedad y la cuestión de temas relacionados con el poscolonialismo. Aquí encontramos técnicas cinematográficas típicas de las películas de terror de casas encantadas, pero se utilizan como un medio para resaltar los horrores muy reales que son las experiencias de los inmigrantes que habitualmente se encuentran con prejuicios, generalizaciones y condescendencia. Película, nacida de la ira por el trato que la sociedad da a las minorías, cuyo debutante director de raíces filipinas, a pesar de varios obstáculos en la narrativa, articula su tesis de forma clara y llamativa, reivindica la cultura de sus antepasados ​​y habla de las condiciones de vida de muchas personas. a través de los personajes de una madre y una hija que conduce a una interpretación actoral auténtica.

Ya sobre El viento se levanta se decía que probablemente sería la última película de Miyazaki, y no fue así. El chico y la garza tampoco tiene por qué ser el punto final, pero sí se siente en ella un poco como una recapitulación del autor, una mirada retrospectiva a su propio trabajo y, al final, el paso del cetro a una generación más joven, que también está presente en la historia. En cualquier caso, el maestro de la animación y la narración cinematográfica no ha cejado en la cantidad de ideas, la variedad de sus visiones y la profundidad de las ideas presentadas, su película luce hermosa y desborda elementos mágicos, de cuento de hadas y oníricos, que a veces pueden ser crueles y a veces tiernos. La introducción sigue siendo civilizada y prácticamente sin elementos sobrenaturales, pero tan pronto como la garza titular muestra los dientes, comienza a hablar con voz humana y el personaje principal (lamentablemente no muy interesante) cae en un mundo de fantasía, durante el cual tiene que lidiar con la pérdida de su madre y los sentimientos de dolor, soledad, ira y tristeza, la imaginación y la alegría de Miyazaki se activan al máximo. El esfuerzo por conseguir decir todo lo posible en dos horas lleva a que en algunos partes la película esté muy cargada y no deje terminar debidamente algunas escenas. Al mismo tiempo, Miyazaki regresa a sus esquemas argumentales probados (basándose principalmente en su El viaje de Chihiro) y a sus frecuentes marcas registradas. La película es casi un catálogo de todo lo que se puede asociar con las películas de Miyazaki, pero no alcanza el nivel de sus mejores películas.

Cero palabras, pero tanta emoción. Sólo comienza con la amistad entre un perro y un robot en la Nueva York de los años 80, tras lo cual los dos protagonistas se separan (por negligencia en los deberes del consumidor y subestimación del efecto de la corrosión) y la película cuenta sus historias por separado. Sin embargo, ambos todavía sueñan el uno con el otro, de ahí el título de la película. Tras la hilaridad inicial, la trama se desarrolla bastante triste, por lo que el sentimiento predominante en la película es más bien melancólico, que sólo se redime al final, aunque no sea exactamente un final feliz, como de un cuento de hadas. La animación parece simple, pero esconde muchos detalles lindos y divertidos y trabaja de manera muy elocuente con las expresiones faciales y el lenguaje corporal de los personajes. La película será apreciada incluso por los adultos (quizás incluso más que por los niños), dotados de experiencias de vida y conscientes de que la verdadera amistad requiere esfuerzos conjuntos y es también un compromiso de cuidado mutuo. Una película animada más profunda y compleja emocionalmente de lo que podría parecer a primera vista.

Una caza de brujas moderna ambientada en el ambiente de una gran ciudad, cuya principal protagonista es una curandera oriental, en realidad una charlatana que parasita la difícil situación de los crédulos, que se convierte en víctima de una histeria colectiva derivada de los prejuicios y los chismes, que tiene consecuencias devastadoras para ella. Un drama realista sobre las desastrosas consecuencias de acciones basadas en creencias religiosas, en el que la lucha por la supervivencia se convierte en una lucha por salvar al hijo. La película logra evocar simpatía por la protagonista, aunque al principio no la retrata de manera positiva, y también tiene personajes bien escritos, situaciones fuertes, muchos animales exóticos y una escena que le hará retorcer los dedos de los pies con su desagrado.

La conocida historia de un accidente aéreo en los nevados Andes, cuyos pasajeros náufragos tuvieron que recurrir al canibalismo para sobrevivir, ya fue abordada en la película estadounidense ¡Viven! de 1993. En comparación, Bayona ofrece una visión más moderna y superior, una cinematografía de primer nivel (que incluye una excelente cámara y una intensa escena del propio accidente), y además, junto con los actores, devuelve esta historia sobre el poder de la voluntad y la tenacidad humana al suelo hispanohablante. Pero eso es básicamente todo, porque la trama de la película obviamente no tiene nada que sorprender. Los personajes individuales son, salvo excepciones, intercambiables entre sí, y sus desgarradores destinos sirven a la película principalmente para conmover emocionalmente al espectador. Pero lo bueno de esto es que es realmente un drama de supervivencia de aventuras honesto y realista en detalle, libre de la necesidad de meter conflictos personales entre los personajes en la trama, que así pueden centrarse más en el lado práctico de su propia supervivencia. También se agradece el bajo nivel de patetismo y un enfoque muy decente y humano del tema del consumo de carne humana.

Una película de terror imaginativa y bien hecha sobre diversos trastornos del sueño, incluido el sonambulismo extremo, cuando una persona se vuelve peligrosa para sí misma y las personas a su alrededor. Los terrores nocturnos de una pareja casada se cuentan desde la perspectiva de una mujer ansiosa que teme legítimamente que su marido pueda matar a su recién nacido mientras duerme. La apasionante trama se lleva gradualmente a dimensiones inimaginables, ofreciendo tanto giros argumentales como pequeñas islas de humor situacional funcional.

A pesar del tema y del título, es un documental muy serio sobre la representación de los tiburones en la historia del cine, desde los años 30 hasta la actualidad, así como sobre los tiburones en general y cómo las películas han influido negativamente en la conciencia sobre los tiburones en la sociedad. Una mezcla muy agradable y entretenida de cabezas parlantes (desde cineastas hasta expertos en zoología marina) y muestras de todo tipo de películas con tiburones, incluidos, por supuesto, los tiburones más grandes (pero sólo hacia el final). Más un montón de historias poco conocidas de la industria cinematográfica, incluidas las que desmienten los mayores mitos sobre los tiburones.

La otra cara del sueño de salvar vidas humanas, contada desde el punto de vista de un sanitario novato que es destinado a Nueva York como compañero de un paramédico experimentado, pero que poco a poco va perdiendo no sólo la ilusión inicial, sino también su propia cordura y fe en la humanidad. Porque juntos van con la ambulancia a los casos más difíciles en las calles de Brooklyn, que consisten principalmente de narcotraficantes apuñalados, víctimas de tiroteos y violencia doméstica, sobredosis de drogas, cadáveres que yacen allí desde hace mucho tiempo, etc. La película muestra deliberadamente sólo lo peor que un paramédico (a quien los créditos finales rinden homenaje) puede experimentar mientras está de servicio, para dejarle un impacto psicológico. Esto hace que la película, debido a la dirección depredadora y a las actuaciones precisas, sea un espectáculo bastante intenso y cautivador, pero al mismo tiempo suena manipulador, lo que al final también subraya su desgarrador final.

Una road-movie de fantasía visualmente impresionante y ligeramente romántica a través del campo japonés y las grandes ciudades, en la que un plano mitológico lleno de ideas mágicas e inspirado en desastres naturales japoneses reales se encuentra con una historia civil y cargada de emociones sobre la adolescencia, el amor platónico comprometido, el sentimiento de culpa y la paternidad. Makoto Shinkai sigue haciendo lo que ha hecho siempre sin dar la impresión de repetirse. Los personajes escritos con honestidad, así como muchos detalles graciosos y un humor sutil, añaden una sorprendente profundidad a la narración de fantasía. Hay demonios que despiertan en nosotros pensamientos reprimidos, gatos traviesos que se deleitan con la destrucción, el descapotable con el techo roto más divertido y también la mejor silla de tres patas de la historia del cine.