POMO

Un mosaico inconexo y deleznable de escenas espectaculares, de las que si se omitiera un tercio, nadie se quedaría corto. Y la película tendría 60 minutos «inservibles». De hecho me pregunto por qué le doy tres estrellas. Probablemente sólo por el divino perro.

Al principio, la imagen digital y el bajo presupuesto me molestaron bastante. La película requería un «aspecto» más digno y una buena música sinfónica y oscura. Pero a medida que pasaban los minutos, me sentí plenamente compensado por un guión decentemente graduado y una dirección creativa en conjunción con la cámara, que realzaba fantásticamente el drama (véase el plano de Khaled con una sartén en la mano mientras corre por el pasillo hacia la cervecería). En esta posición, la imagen digital barata ya no era un perjuicio, sino que contribuía a la autenticidad naturalista de la película. También merece elogios el joven actor y, sobre todo, el tema ÚNICO en el que se basa esta brillante película.

Una chica se replantea su actitud ante la vida después de ser atropellada por un coche y escapar por poco de la muerte. Al volante de ese coche iba un joven de éxito que, aunque orgulloso defensor de la ley, huye cobardemente del lugar del accidente. Su remordimiento, sin embargo, echa por tierra todo aquello sobre lo que ha construido los valores de su vida. Un señor mayor, con el que el joven había estado hablando en el bar poco antes, busca en vano la fuente de la felicidad de la vida... etc., etc. Un filosofar dialógico, culto, inteligente, con un toque de ironía y fatalidad. Una agradable alternativa a las películas para relajar de Hollywood, sin embargo, parece un vano intento de «algo como independencia», carente de la credibilidad y sinceridad de películas europeas similares.

Sobre los problemas de una extraña familia japonesa. El padre es travesti y encuentra placer en fotografiar a su familia o a sí mismo vestido de mujer. Y el hijo y la hija son adolescentes sin futuro, que viven en un mundo tan gris, despiadado y formulista como el de sus juegos de ordenador. Todo es culpa de su madre, que las abandonó hace diez años y se fugó con un «macho más joven». La película, culturalmente distante pero cercana por el tema tratado, nos permite meternos en la piel de todos los personajes a través de sus entrañables debilidades o de sus sentimientos ocultados por mucho tiempo y finalmente expresados. Una hermosa película sobre la cohesión familiar, el perdón, el amor y el sacrificio de si mismo. Los momentos tristes y excesivamente dramáticos se aligeran con un humor amable y civilizado. El director no quiere apretar mucho y hacernos llorar. Prefiere mantenerse en un plano poético y aligerado.

La primera mitad de Infiel es excelente. Adrian Lyne es un psicólogo brillante y capta fantásticamente lo que pasa dentro de una mujer casada, atormentada por la pasión sexual desenfrenada y el remordimiento por haber engañado y «hecho daño a los que ama». En ese sentido, la escena del tren con los flashbacks amorosos es absolutamente fantástica. Y en la escena en la bañera, el director capta perfectamente la alienación que siente la protagonista hacia su marido. Devoré toda esta excelente parte de la película, rodada con un estilo hipnótico típicamente a lo Lyne, con la respiración contenida. Pero en la segunda mitad, el guión cambia para clichés de thriller trillados, mal pensados y baratos que son una parodia de sí mismos.

Las áridas y polvorientas llanuras iraníes, sin una gota de agua. Cámara con mínimo movimiento. Sin música. Un mundo sin emociones, sin colores. Un hombre de mediana edad más solvente, un suicida, busca a alguien en la zona que esté dispuesto a enterrarle la noche siguiente a cambio de una gorda recompensa económica. No importa por qué lo quiera - y ni siquiera lo sabremos. A Abbas Kiarostami no le gusta manipular los sentimientos del espectador, le gusta simplemente dejarle observar y componer sus pensamientos. ¿Qué hace interesante a esta película para que no pudiera apartar los ojos de ella? Si lograra descubrirlo, la película perdería el encanto que posee. En cualquier caso, fue la primera vez que tuve sed a causa de una película después de que terminara.

Bonita, profunda y triste historia. Pero visualmente tan fría y rodada sin interés como cualquier serie de televisión austriaca o alemana. ¡Un desperdicio de la gran pantalla de cine!

Todo el tiempo, seguimos a un grupo de personas (un actor veterano, una actriz novata, un productor exitoso, un conductor que quiere ser un productor exitoso, etc.) que buscan la felicidad en la vida durante el festival incriminado. Los fracasados buscan el éxito, los triunfadores lo dan por sentado y anhelan una vida de pareja feliz y amor. Y en todo eso, se meten, solo por meter, unas cuantas tomas de las carteleras de las películas Stigmata, El club de la lucha y La trampa. Ni humor, ni sátira à la Robert Altman. Solamente diálogos aburridos, que sólo en el último tercio -cuando los personajes empiezan a quitarse sus máscaras- tienen algún sentido. Muy débil.

El mundo de pasillos subterráneos y hierba de Microcosmos se ha transformado en un plano de la hermosa naturaleza de todo el mundo. Es una pena que todos los planos de la película sean tan cortos y no podamos disfrutar de lo mejor de ellos tanto como en la más lenta, suave e hipnótica Baraka. En fin, hay que verla en pantalla grande y, por la caída del iceberg, ¡al menos en Dolby Digital!

Un viaje psicodélico sobre un grupo de actores que intentan rodar una película histórica en Venecia. Esta vez, Mike Figgis se pasó de la raya. Su película, de aspecto documental, no es más que un conglomerado de actuaciones teatrales dispares, visiones oníricas y obsesiones sexuales ligeramente excitantes. La mayor parte de la película está rodada con una cámara digital o a través de varios filtros, y la imagen se divide a veces en cuatro partes, con algo diferente en cada una. El mismo concepto que en la anterior película Timecode) de Figgis. Pero, ¿qué significa eso? ¿Homenaje al proceso de rodaje? ¿O al arte de actuar? Cuando se proyectó en el festival, un tercio del público se marchó antes de que terminara la película, otro tercio aplaudió con entusiasmo al final, y un tercio (incluido yo), que se quedó hasta el final sólo por una gran dosis de tolerancia, se marchó con una sonrisa no natural.