POMO

Un gran Woody Harrelson, una ágil Kaitlin Olson y una frase ingeniosa y acertada que (comprensiblemente) nunca antes había visto en una película estadounidense. El resto, sólo los clichés más manidos de las películas deportivas para sentirse bien en un paquete de guion mediocre. Pero, es que realmente ¿esperábamos algo más de Farrelly?

Christopher Nolan, en su película más madura y la menos atractiva para los espectadores, atrajo y sorprendió con una charla de tres horas sobre física nuclear y política. Atrajo a espectadores de todos los niveles de educación e inteligencia. Me quito el sombrero ante él. Rodar en 57 días un mosaico de acontecimientos tan centrado, perfectamente dirigido, repleto de información y cuidadosamente ensamblado, que no deja de ser interesante y tampoco pierde la credibilidad histórica en ningún momento, es una maestría cinematográfica. ¿Y que a Nolan le haya ayudado en esto un tema que nos concierne a todos y nos asusta a todos? Pero ¿qué otro director le daría más impulso a este tema? La intensidad y urgencia de la narrativa de la película se ve potenciada nuevamente por la ruidosa banda sonora mezclada por el mago Ludwig Göransson (Tenet), siendo esta obra suya algo independiente y digno de admirar por su originalidad y creatividad en los detalles. Brillante estilización de los personajes, montaje, elenco de actores, que uno no esperaría aquí y que al mismo tiempo encajan perfectamente (¡Benny Safdie llama atención!). Y esas dos escenas clave, construidas sin ayudas digitales sobre elementos cinematográficos básicos, son un auténtico placer. Inmediatamente después del final de la película, tuve más sentimientos encontrados, porque esperaba algo diferente, probablemente como todos nosotros. Sin embargo, con el tiempo, Oppenheimer crece en mí y me alegro de que Nolan lo haya hecho "a su manera".

La exploración del mundo real por parte de los que vienen del mundo de Barbie es inspiradora y original y al parecer promete ofrecer una sátira inteligente, fresca y original, que refleja los pseudoproblemas de la sociedad contemporánea (occidental). Pero el posterior "conflicto de sexos" y su solución infantil, a la que recurre la película, matan todo el potencial de lo antes mencionado. Qué pena. Aquí ni siquiera el equilibrio entre diversión para niños y adultos funciona. No es para niños en absoluto. Pero alegrémonos de que, después de la pandemia, los espectadores en multitudes regresen a las salas de cine. Hay que darle las gracias a Barbie por eso. Además, el autor de la genial idea de marketing "Barbenheimer" merece un elogio especial. Aunque la banda trabajadora que rodea a Tom Cruise no merecía ser eclipsada por M:I-7.

Los actores y el tema musical de John Williams te encantarán. Harrison Ford está maravillosamente rejuvenecido. La sorpresa del final es más aceptable que la tontería anterior con los extraterrestres. Pero lo digital omnipresente, cuando ni siquiera el tuk-tuk que recorre las estrechas calles marroquíes es real, es lo que realmente NO quiero que sea parte de Indiana Jones. Porque me gusta desde la primera trilogía por su trabajo cinematográfico creativo y honesto. Y esta forma rutinaria, en la que los cineastas no tienen que ser creativos en cuanto a su trabajo de cineastas porque la postproducción CGI lo hace todo por ellos, es todo lo contrario del enfoque original de Spielberg. Y el potencial de cada escena sufre por eso.

A primera vista, una parte desnutrida de la serie, que paradójicamente ofrece la mitad de los atractivos de lo mejor de las partes anteriores en el metraje más largo de todos. La persecución de coches en Roma no ofrece nada extraordinario, y la escena del tren es una repetición de la primera Misión: Imposible más una versión afinada de la escena más emocionante de El mundo perdido. ¡PERO! Cuando vi Sentencia mortal, parte 1 por segunda vez, disfruté de la trama más que de todas las demás. De la sincronización perfecta del tema con la amenaza de la inteligencia artificial; de la constelación de los personajes de las partes anteriores, incluido Kittridge de la primera misión; del nuevo villano Gabriel, a quien Ethan Hunt tiene una doble razón para odiar más que a nada en el mundo; de la sincera emoción de la escena en el puente veneciano de Conzafelzi; de la nueva bella Hayley Atwell, perfectamente combinada químicamente con Tom Cruise; y de un montón de detalles divertidos e imaginativos, con los que se embellecen las escenas a primera vista no tan innovadoras -el aeropuerto, la persecución en Roma, la incorporación del archiconocido moto-jump a la escena del tren o el final casi cinéfilamente orgásmico, que multiplica la citada escena de El mundo perdido con una emoción taquillera absoluta. Y solo estamos a la mitad de la película. Si Parte 2 gradúa como Cruise y McQuarrie saben que debe graduar, Sentencia mortal se convertirá en la parte alfa de la serie y tal vez establezca una nueva dirección para la dosificación de varias partes de las otras misiones imposibles de Ethan Hunt. La noticia de que Tom planea rodar hasta los ochenta me alegró el día.

Un montón de clichés guionistas en una historia sencilla de los años ochenta con una fuerte dosis de acción enérgica bien lograda. La escena de la fuga de la prisión, compuesta de tomas largas, ¡dura 21 minutos realmente cargados! Desafortunadamente, ninguna otra se puede comparar con ella.

La ingenuidad está bien aquí, es parte del juego. Y sabe cómo entretener, mezclar con buen gusto ideas de la cultura pop y mantener la claridad en un marco de guion relativamente sofisticado. Un Free Guy para un espectador más adulto, pero no conservador, y aún mejor si le interesa el negocio y la historia del nacimiento de un fenómeno de juego. La película se estrenó en VOD al mismo tiempo que Air de Ben Affleck, una “aventura de negocios”" bastante diferente pero igualmente exitosa y de la misma época histórica.

Para un director de 29 años, es una carga extremadamente ambiciosa con fuertes momentos íntimos de un tema no ordinario y socialmente sensible. We Have Never Been Modern funciona fantásticamente en su mensaje atemporal sobre la estrechez, el prejuicio y la intolerancia imposibles de erradicar de la sociedad hacia cualquier cosa diferente. Sin embargo, no funcionará para todos en la interacción de temas secundarios (la relación problemática entre el personaje principal y su marido arribista, la figura inquietante de un miembro de la contrainteligencia) o al ubicarla en el micromundo industrial de Baťa. Al mismo tiempo, es este mundo el que se suma al atractivo de la película para la audiencia, así como el anclaje histórico de la historia para subrayar mejor la idea. Y con fondos de estudio bellamente estilizados en el primer plano de los Altos Tatras, también completa la pátina artística de la parábola artística. Aunque no maduro en todos sus detalles, ciertamente es algo que la mayoría de los cineastas checos no se atreverían a hacer. Matěj Chlupáček está en otro mundo, y si en los próximos diez años sigue el mismo camino que tomó entre Touchless y We Have Never Been, su tercer largometraje recibirá una gran ovación incluso en Cannes y Venecia. [Karlovy Vary IFF]

Cuando las producciones europeas intentan rodar películas de género con elementos de fantasía o ciencia ficción, rara vez salen bien. The Animal Kingdom escapa del lío por los pelos. Carece de razones explicadas para la transformación de los humanos en criaturas animales y es ridículamente ingenua en lugar de interesante. Además, le falta la superposición artística que hizo que, por ejemplo, la "parábola animal" sueco-noruega Border fuera grandiosa por su previsibilidad y esquema de cliché de la trama. [Karlovy Vary IFF]

Una mirada cómica y fresca de Finlandia, de un clásico que aún no ha perdido ni una fracción de su estilo narrativo. Y a quien, al mismo tiempo, la era del feminismo le ofreció otra historia aguda sobre los "tipos duros" finlandeses. Diálogos absurdos con una rica cadencia de chistes de humor seco, estilización retro tradicional (interiores, vestuario) acompañados de noticias radiofónicas de la actual guerra en Ucrania. Y carteles de películas, porque a Aki le encantan las películas. Un maravilloso cine-saludo al hermano cinematográfico Jarmusch.El metraje corto es una revelación entre las películas contemporáneas y confirma que Kaurismäki sigue siendo él mismo. [Karlovy Vary IFF]