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Ya sobre El viento se levanta se decía que probablemente sería la última película de Miyazaki, y no fue así. El chico y la garza tampoco tiene por qué ser el punto final, pero sí se siente en ella un poco como una recapitulación del autor, una mirada retrospectiva a su propio trabajo y, al final, el paso del cetro a una generación más joven, que también está presente en la historia. En cualquier caso, el maestro de la animación y la narración cinematográfica no ha cejado en la cantidad de ideas, la variedad de sus visiones y la profundidad de las ideas presentadas, su película luce hermosa y desborda elementos mágicos, de cuento de hadas y oníricos, que a veces pueden ser crueles y a veces tiernos. La introducción sigue siendo civilizada y prácticamente sin elementos sobrenaturales, pero tan pronto como la garza titular muestra los dientes, comienza a hablar con voz humana y el personaje principal (lamentablemente no muy interesante) cae en un mundo de fantasía, durante el cual tiene que lidiar con la pérdida de su madre y los sentimientos de dolor, soledad, ira y tristeza, la imaginación y la alegría de Miyazaki se activan al máximo. El esfuerzo por conseguir decir todo lo posible en dos horas lleva a que en algunos partes la película esté muy cargada y no deje terminar debidamente algunas escenas. Al mismo tiempo, Miyazaki regresa a sus esquemas argumentales probados (basándose principalmente en su El viaje de Chihiro) y a sus frecuentes marcas registradas. La película es casi un catálogo de todo lo que se puede asociar con las películas de Miyazaki, pero no alcanza el nivel de sus mejores películas.

Cero palabras, pero tanta emoción. Sólo comienza con la amistad entre un perro y un robot en la Nueva York de los años 80, tras lo cual los dos protagonistas se separan (por negligencia en los deberes del consumidor y subestimación del efecto de la corrosión) y la película cuenta sus historias por separado. Sin embargo, ambos todavía sueñan el uno con el otro, de ahí el título de la película. Tras la hilaridad inicial, la trama se desarrolla bastante triste, por lo que el sentimiento predominante en la película es más bien melancólico, que sólo se redime al final, aunque no sea exactamente un final feliz, como de un cuento de hadas. La animación parece simple, pero esconde muchos detalles lindos y divertidos y trabaja de manera muy elocuente con las expresiones faciales y el lenguaje corporal de los personajes. La película será apreciada incluso por los adultos (quizás incluso más que por los niños), dotados de experiencias de vida y conscientes de que la verdadera amistad requiere esfuerzos conjuntos y es también un compromiso de cuidado mutuo. Una película animada más profunda y compleja emocionalmente de lo que podría parecer a primera vista.

Una caza de brujas moderna ambientada en el ambiente de una gran ciudad, cuya principal protagonista es una curandera oriental, en realidad una charlatana que parasita la difícil situación de los crédulos, que se convierte en víctima de una histeria colectiva derivada de los prejuicios y los chismes, que tiene consecuencias devastadoras para ella. Un drama realista sobre las desastrosas consecuencias de acciones basadas en creencias religiosas, en el que la lucha por la supervivencia se convierte en una lucha por salvar al hijo. La película logra evocar simpatía por la protagonista, aunque al principio no la retrata de manera positiva, y también tiene personajes bien escritos, situaciones fuertes, muchos animales exóticos y una escena que le hará retorcer los dedos de los pies con su desagrado.

Hasta el último cuarto, se trata de un estudio psicológico minimalista bastante atractivo y hábilmente dirigido sobre dos personajes atraídos por el destino a un lugar aislado y entre los cuales se construye artísticamente una tensión nerviosa durante mucho tiempo. También ayuda el trabajo sólido con la oscuridad y el montaje y los sonidos de la tormenta circundante. Sólo lo estropea el desenlace narrativamente confuso, que intenta en el último momento unir todos los motivos, sorprender con nuevos giros y posiblemente incluso chocar un poco, pero lo hace de forma demasiado precipitada y caótica.

Un géiser de creatividad sin precedentes en la mejor comedia de los últimos años, y al mismo tiempo una sorprendente actualización del slapstick para el siglo XXI. Aquí, Buster Keaton y Harold Lloyd se juntan con Bugs Bunny y el coyote Vilda, y como si los dirigiera por Karel Zeman, que acaba de descubrir las posibilidades de los gráficos por ordenador. Confirmación definitiva de la opinión de que un presupuesto bajo no es un obstáculo cuando hay suficientes ideas y capacidad creativa. En el caso de Hundreds of Beavers, a los cineastas les sobran ideas y a la película incorporaron tantas que fácilmente ocuparon todo el metraje y transformaron los medios limitados para hacer la película en una prioridad, de modo que el resultado parece tremendamente divertido, creativo y lindo incluso desde el punto de vista visual. La trama no se detiene ni por un momento, los gags individuales se desarrollan gradualmente y alcanzan niveles impredecibles, la película funciona bien con personajes y motivos recurrentes y hace pleno uso del entorno del bosque nevado y los accesorios relacionados. Un asunto único y sin duda un futuro clásico de culto.

Un joven va a casarse, pero la noche anterior a la boda cae en un pozo descubierto del que es imposible salir. Una premisa simple finalmente da paso a un juego de misterio bastante divertido y chistoso que nos puede sorprender con un desarrollo inesperado de los acontecimientos. Sin embargo, el giro violentamente injertado en la segunda mitad es un arma de doble filo, aunque salta y cambia el tema de la película hasta cierto punto, pero al mismo tiempo se socava sus propios pies con una narrativa sobrecombinada y llena de brechas en la trama.

La película trata un caso trágico real de 1993, cuando un grupo de fanáticos religiosos realizó un ritual de exorcismo a una mujer con una enfermedad mental, que quedó así innecesariamente expuesta a abusos psicológicos y violencia física. Es positivo que la película aborde el tema de los actos potencialmente perniciosos de personas que actúan ciegamente en nombre de su fe y sus buenas creencias, pero lo aborda desde la dirección equivocada. Se pretendía que fuera un drama psicológico emocionalmente denso, pero los cineastas intentan convertir la historia en un horror exorcista un tanto excesivo (a través de visiones satánicas bastante malas y baratas y sustos muy aburridos). Hasta el final, el espectador se pregunta si, después de todo, la víctima en cuestión estaba poseída por el diablo, pero esta ambigüedad deliberada confunde el tono de la película, resta fuerza a su tono y, en ocasiones, la hace involuntariamente ridícula.

La conocida historia de un accidente aéreo en los nevados Andes, cuyos pasajeros náufragos tuvieron que recurrir al canibalismo para sobrevivir, ya fue abordada en la película estadounidense ¡Viven! de 1993. En comparación, Bayona ofrece una visión más moderna y superior, una cinematografía de primer nivel (que incluye una excelente cámara y una intensa escena del propio accidente), y además, junto con los actores, devuelve esta historia sobre el poder de la voluntad y la tenacidad humana al suelo hispanohablante. Pero eso es básicamente todo, porque la trama de la película obviamente no tiene nada que sorprender. Los personajes individuales son, salvo excepciones, intercambiables entre sí, y sus desgarradores destinos sirven a la película principalmente para conmover emocionalmente al espectador. Pero lo bueno de esto es que es realmente un drama de supervivencia de aventuras honesto y realista en detalle, libre de la necesidad de meter conflictos personales entre los personajes en la trama, que así pueden centrarse más en el lado práctico de su propia supervivencia. También se agradece el bajo nivel de patetismo y un enfoque muy decente y humano del tema del consumo de carne humana.

Una niña está en coma después de una lesión en la cabeza, y su vida posterior se entrelaza metafóricamente con su viaje a través de un mundo de fantasía en el que escapa repetidamente de la muerte y se encuentra con todo tipo de seres. El resultado es una variación surrealista de Alicia en el país de las maravillas, filmada por un padre con su hija de cinco años como protagonista como proyecto personal. La película, cuya producción duró seis años, debe ser apreciada por su sofisticado arte y la realización de las secuencias animadas por marionetas, que seguramente costaron mucho trabajo. La actriz infantil en el papel principal es excelente. Con su estilo de animación y atmósfera oscura, Moon Garden recuerda a la película Mad God (aunque no es tan sangrienta ni repugnante, pero yo tampoco se la pondría a un niño, algunas escenas son realmente bastante aterradoras e intensas). Desafortunadamente, también comparte con ella el hecho de que el espectador se cansa fácilmente después de un tiempo de la carga de ideas visuales, porque no hay mucho en qué apoyarse en una trama simple. La película probablemente permanecerá en la memoria sólo como una serie simpáticamente extraña de escenas psicodélicas, intercaladas con los recuerdos de momentos familiares felices y dolorosos de una niña pequeña que estaba en el hospital.

Una película de terror imaginativa y bien hecha sobre diversos trastornos del sueño, incluido el sonambulismo extremo, cuando una persona se vuelve peligrosa para sí misma y las personas a su alrededor. Los terrores nocturnos de una pareja casada se cuentan desde la perspectiva de una mujer ansiosa que teme legítimamente que su marido pueda matar a su recién nacido mientras duerme. La apasionante trama se lleva gradualmente a dimensiones inimaginables, ofreciendo tanto giros argumentales como pequeñas islas de humor situacional funcional.