POMO

Una versión más académica de La cosa en la selva (y en la playa). Un tema inicialmente convencional con un toque de película de serie B pero con ideas interesantes, que culmina con un encuentro cercano nunca visto del tercer tipo, fascinante en su naturaleza fantasmagórica de gran alcance, y tentador en su necesidad de encontrar tantas respuestas como sea posible. La escena final es un regreso a las reglas del género, pero funciona de maravilla. Garland no es un creador de éxitos, es un tipo de ciencia ficción duro. La llegada trataba de la relatividad de la percepción del tiempo, Aniquilación trata de la relatividad de las formas de vida biológica. Completamente diferentes, pero en ambos casos ciencia ficción brillante, ambiciosa e innovadora.

Un canon de actuación en una historia sorprendentemente predecible que, aunque esperas que no ocurra mientras la ves, no te sorprende al final. Pero la emoción de querer venganza funciona en el espectador, desde luego no aburre. Hubiera esperado de todo el conjunto una historia/pensamiento de más alcance. Y de alguna manera no puedo ver a Harrelson como el malo final, aunque se esfuerza. Para mí, siempre será un tipo bohemio, fumado y comodón.

El plano final, que se repite en la película, de Ama Dablam, la montaña más bella del Himalaya, confirma que los cineastas quieren, ante todo, inclinarse en señal de admiración ante las montañas, majestuosas obras del mayor artista de nuestro planeta: la madre naturaleza. Así que quizá sea una pena que también tomen prestadas imágenes conocidas de películas deportivas (The Art of Flight 3D) y de otras series documentales, y que intenten hacer un resumen temáticamente restrospectivo de «lo mejor de» (incluso señalando los muchos usos de las montañas de la civilización), en lugar de ceñirse al piano y a las ideas expresadas por Dafoe. Algunas de ellas podrían haber sido escritas por cualquiera de los espectadores, pero otras elevan la película a las alturas filosóficas a las que ambiciosamente aspira.

Un rápido vistazo a varios parques nacionales de Estados Unidos, con ejemplos de los deportes para los que son adecuados (escalada en seco, ciclismo, escalada en hielo). Además, un bonito recordatorio de que el término «Parque Nacional» fue acuñado por el amante de la naturaleza John Muir y establecido legalmente por su amigo y alma gemela, el presidente estadounidense Roosevelt. Visualmente hermoso: cuanto más grande sea la pantalla, mejor será la experiencia.

Una película frágil, podría decirse que introvertida, sobre la despedida de un ser querido. En este caso, dolorosamente agravado por la imposibilidad de despedirse de ella con dignidad, y la constatación de que encontrar otra persona igual de cercana será casi imposible. Como en el caso de las películas artísticas sudamericanas, aquí no se trata de exprimir las emociones del espectador, sino de la decencia académica. La banda sonora sinfónica, por ejemplo, es minimalista, sin motivos melódicos.

La segunda mitad salva la cosa, al trasladarse al campo e introducir a los personajes locales en la historia, es bastante divertida. Pero es el constante y completamente ilógico descubrimiento y encuentro de personajes cuando y donde sea, que ni siquiera intentan parecer absurdamente aleatorios, lo que arrastra la película al nivel de una película pulp barata. Por otro lado, lo agradable de la película es que los lituanos, admitiendo su admiración por Guy Ritchie, han realizado una película de género rápida y frenética con una estrella de acción británica, ambientada en parte en Londres. Y eso sin miedo de exagerar hasta la caricatura su país como un «agujero de mierda de Europa del Este» lleno de ladrones, pervertidos y los más burdos paletos.

Lindo placer culpable pervertido. El único defecto que tiene es la sobreactuación y los diálogos estúpidos. Con un toque de serie B, más bien firma su orgulloso puesto como obra maestra del eurotrash. No hay sangre ni gore, ni asesinatos. «Esclavas del sadismo» no es malo. Solo es un pervertido. Lo suyo es la desnudez, el sexo y la perversión. La versión sin cortes contiene unos minutos de metraje porno normal con un colorido visual muy diferente, que por un lado hace que parezca un puñetazo en el ojo, pero al mismo tiempo le da un encanto único de ganado de explotación sin escrúpulos, aderezado con la poética de la inocencia infantil en forma de juguetes mecánicos. Irresistible.

Calidad de producción (reparto, decorado, ambiente de la época), pero entretenida para un público reducido, al que no pertenezco. La vida personal del protagonista está esbozada, pero el 90% de la película se dedica a la cháchara y al complot entre políticos. No lo disfruté a pesar de los decentes dibujos de los personajes y el interesante mosaico de diversas creencias políticas, motivaciones y valores morales; ni tampoco la importancia histórica de los acontecimientos representados.

Bonito diseño de producción y una encomiable introducción a una figura histórica, menos conocida en el mundo del cine, pero merecidamente notable (eclipsada por su predecesor político William Wallace). Desde el punto de vista del género también es satisfactoria, ya que contiene todos los atributos necesarios de la corriente principal. Pero lo que me impidió tener una experiencia adecuada aquí fue la previsibilidad y la falta de originalidad narrativa sin la aportación personal del director en particular. Escenas y momentos que diferencian a la película de muchas de su clase. Los apreciaría aún más que una carnicería de guerra. Y también con una banda sonora mejor que la presente, muy mediocre.

No es que sea un fan de la obra de Fincher (soy fan de los escandinavos), pero con este esfuerzo su película adquiere una nueva calidad en el retrato de personajes, estilo e inteligencia. Millennium: Lo que no te mata te hace más fuerte está repleta de trama y es temáticamente grandiosa, pero tanto Noomi Rapace como Rooney Mara eran más interesantes como Lisbeth que Claire Foy, y Sverrir Gudnason es más adecuado para Sombras de Grey que para Mikael Blomkvist. Pero, sobre todo, este thriller técnicamente bien ejecutado está más orientado a la acción, centrado en los clichés del género y en los personajes unidimensionales calcinados, que en la psicología más elaborada y la atmósfera nórdica.