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Una secuela promedio que aprovechó los puntos fuertes de su predecesora y simplemente los repitió. El entorno de los videojuegos es reemplazado por el mundo que existe dentro de Internet (la frase "Es nuevo, es diferente, y por eso debemos tenerle miedo"), en el que los logotipos oficiales de varias compañías famosas lograron contratar, pero probablemente no se permitió que la historia se desarrollara sobre ellos así que, por ejemplo, en lugar de YouTube y Google, los protagonistas visitan las empresas ficticias BuzzzTube y KnowsMore. Sin embargo, a excepción del excelente pasaje de las princesas de Disney (queremos una serie separada, por favor) y algunas referencias, sorprendentemente no queda mucho más humor por sí solo, la historia es muy simple y, a veces, innecesariamente alargada. El funcionamiento interno de Internet se retrata de manera relativamente ingeniosa, pero por lo demás la película no tiene mucha imaginación, lo que también se refleja en la secuencia en la que los protagonistas deciden ganar dinero haciendo un video divertido, copian de manera poco creativa las tendencias más populares en lugar de usar una idea original. Por el contrario, sobre la animación no hay nada que reprochar.

Una película de zombis experimental e intelectualmente irónica de un director que menosprecia las películas comerciales de zombis estándar, y eso es lo que parece. Derribar deliberadamente las reglas del género zombi y anular las convenciones y los estereotipos suena más bien a capricho que a innovación, y el resultado es una película puramente anti-entretenida y de apariencia aleatoria con un guion deliberadamente descuidado, lleno de repeticiones y personajes no utilizados que solo pueden ser una sátira social agotada y superficial con unas cuantas metabromas, cuyo ritmo es más lento que el andar arrastrado de los mortales jadeando, y apunta a espectadores que, en la mayoría de los casos, probablemente ni siquiera lo dejarán pasar por el tema elegido.

Los animadores han hecho un excelente trabajo en términos de representaciones auténticas de criaturas vivientes y la naturaleza, por lo que la animación es absolutamente impresionante y muchas tomas parecen documentales naturales. El problema es que El Rey León no es un documental de la sabana africana, sino un musical de Disney, en el que los animales hablan y cantan, y que con una animación fotorrealista no puede hacerlo con tanta intensidad. Además, para lograr la mayor credibilidad posible, los animales protagonistas fueron privados de todas las expresiones faciales "humanas", por lo que el único portador de emociones en sus diálogos es la voz de los actores de doblaje. La historia (básicamente Hamlet) no es diferente de la versión animada (solo dura media hora más) y aún es comprensiblemente genial, pero no tiene mucho que sorprender si has visto El Rey León original. Por lo tanto, el nuevo El Rey León es solo una copia tecnológicamente perfecta, pero por lo demás algo desalmada, de una predecesora mucho mejor.

Aladino, interpretado en su obra maestra animada, pierde de muchas maneras, pero aun así, verla es en general una experiencia agradable, especialmente gracias a las magníficas imágenes llenas de color y costosas con un concepto ligeramente inconsistente, influenciado por todo. Los elementos árabes se combinan con las influencias del Bollywood de la India (incluido el número de baile al final) o con la estética de los carnavales brasileños y, lamentablemente, también hay breakdance y beatboxing. Desde el punto de vista de la trama, no es una copia, porque se han agregado varios pasajes y dos canciones nuevas y en algunas escenas se ha invertido su orden y se ha cambiado su contenido (a veces para mejorar, a veces para empeorar). Will Smith se las arregla para ser juguetón, divertido y conmovedor en el papel del Genio. Por el contrario, Mena Massoud y Naomi Scott en los roles de Aladdín y la Princesa Jasmín son más difíciles de ganar la simpatía del público y Marwan Kenzari es francamente trágico en el papel negativo del consejero del sultán, Jafar, con su expresión acartonada y falta de carisma.

La verdad algunas veces duele, pero desafortunadamente este no es el caso. Drama sobre la ambigüedad y la relativización de la verdad y la memoria poco confiable, que puede transformar la verdad en nuestros recuerdos con el paso del tiempo, se basa en la relación de una madre, famosa actriz arrogante y autocomplaciente al final de su carrera, y su hija, que prefirió huir al extranjero y toda su vida reprocha su constante indiferencia y desprecio. Pero se ha ganado relativamente poco con este conflicto prometedor y potencialmente benéfico, ya que la escena permanece en calma de principio a fin, y en lugar de una confrontación hacia la catarsis, está rodeada de metáforas literales y vínculos entre la realidad y el mundo del cine de ficción. Si bien los personajes están revelando gradualmente más y más información sobre su pasado, no resolverán sus diferencias de ninguna manera sino que solo se confirmarán mediante la hipocresía, la mentira y la manipulación, porque incluso eso, según ellas, es una forma funcional de mantener unida a la familia (una familia ilusoria y solo aparentemente unida, cuyos miembros en privado pretenden ser una familia y en público, en cambio, fingen que no lo son). El mensaje de la película de defender que tal comportamiento está bien y que incluso la generación más joven debería tomarlo en cuenta puede describirse, al menos, como distorsionado. A pesar de la dirección sensible y de los grandes actores, el final de La Verdad deja un sabor muy amargo, no solo por el procesamiento del tema, sino también por la idea de lo grandiosa que podría ser una película si Hirokazu Kore'eda abordara el tema del remordimiento mutuo por la madre dominante y su ofendida hija.

La película sigue una historia relativamente bien establecida sobre un recién llegado en una comunidad cerrada y ridícula, la cual inadvertidamente lo fusiona con sus acciones, pero no escapa de su pasado, e incluso su forma es relativamente común en la mayoría de las escenas. Lo que ya no es tan común es el increíblemente expresivo e incluso demoníaco Bartosz Bielenia, que realiza una actuación extraordinaria en el papel principal y sobre el cual recae toda la película, y la perspectiva de su personaje, que mira el mundo a través de Dios y conociéndose a sí mismo. Además, la película también impresiona por su tema de la fe religiosa procesado de manera integral y una cámara estática, que al final, sin embargo, sorprende con una movilidad repentina pero justificada en un momento clave. El notable drama también sobresale por su elaborado guion y sirve como evidencia adicional de que incluso una película íntima con un presupuesto bajo y algunas localizaciones se puede rodar de tal manera que brinde al espectador una experiencia fuerte y excepcionalmente impresionante.

Un excelente drama sobre la (no) muerte con personajes perfectamente creíbles, filmado de manera bastante realista, civilizada y sin exagerada angustia. Gracias a un gran guion y excelentes (a veces impresionantes) actores, puede ofrecer grandiosos momentos de tensión emocional como pasajes de mayor tranquilidad. Desolado correr por los hospitales y consultas con el personal no siempre compasivo durante las vacaciones de Navidad y año nuevo, dosificado constantemente en la historia día tras día, sorprendentemente no es solo una caída en la depresión y las nubes, pues la película, en su segunda mitad y sobre todo cerca del final, intenta compensar la tristeza existente con una enorme dosis de dulzura conmovedora que, paradójicamente, va perdiendo un poco de emoción. Aun así, es un estudio de relaciones dirigido soberanamente y en todos los aspectos preciso, que despierta interés en los personajes principales para que encuentren su camino el uno con el otro y su amor marchito perceptiblemente toma un segundo aliento gracias a la muerte que se acerca uno de ellos.

Un intento de volver a las raíces de una famosa obra maestra literaria tomó el concepto de Garrone de una mezcla de cuentos de hadas de fantasía moderna y realismo artístico, apoyándose principalmente en la representación poética de la pobre campiña italiana y en las escenas lúgubres, retratadas en la estilización visual ya tradicional y distintiva del director, a la que también dotó con el cuento de hadas y sus dramas crudos. Historias alegóricas de un protagonista desobediente, disperso y demasiado confiado, que le causan traumas temporales y posteriormente le dejan lecciones, sin embargo, parecen contradictorias e incoherentes, y algunas de sus lecciones incluso se contradicen entre sí, a pesar de la presencia de varios personajes secundarios francamente infantiles e insoportablemente agotadores. El hada mágica y el grillo aparecen solo esporádicamente en la película y, por lo tanto, no tienen tal efecto en la formación de la brújula moral de Pinocho, cuyo diseño es un defecto fundamental, porque no es lo suficientemente interesante y es prácticamente imposible generar simpatía por él, como si Garrone apostara demasiado por la perfección de su apariencia física y ya no intentara encantar al público con su personalidad, comportamiento y sentimientos. Por lo tanto, además de algunos giros en la trama, la película también carece de emociones y, debido a la lentitud de la narración, a menudo es minuciosa. Está impulsada por actores y una excelente realización técnica, pero el resultado destaca gracias a una serie de momentos únicos más por su notable rareza que por sus cualidades.

Sweethearts es un melodrama que se desarrolla, entre otras cosas, en la prostitución, las drogas, la infidelidad, el cáncer cerebral, las tendencias suicidas, las fugas de casa y varios embarazos, que, sin embargo, se presentan de forma sorprendente como algo relajante, animado y condimentado con comedia. Esta es otra película checa que intenta actuar como una historia agridulce de la vida, pero al mismo tiempo está perfectamente desvinculada de la realidad (la descripción de la relación entre una prostituta y su proxeneta o el empleo en corporaciones multinacionales es de otro universo) y cuyos personajes son solo figuras primitivas definidas por uno o dos estereotipos (todos los machos adultos son bestias egoístas y despiadadas, mientras que las heroínas son sus víctimas ingenuas y angustiadas). Sin embargo, a pesar de la banalidad y la monotonía del contenido, a Sweethearts no se le puede negar una gran dirección y un sentimiento de narración además de un concepto formal perfectamente dominado (edición, cámara, música, actores). Sweethearts también tiene un buen ritmo, el clímax excelentemente escenificado en una sola toma e incluso el desenredo gradual de los vínculos entre los personajes individuales es bastante divertido. En general, por lo tanto, es una película cuya filmación es mucho mejor de lo que merecen su trama mal escrita y sus personajes planos.

Tenet es la más compleja de todas las películas de Nolan en términos de historia y estructura narrativa. Requiere atención y concentración, pero a pesar de todos sus esfuerzos, deja dudas e incertidumbre en el público después de la primera visualización. Aunque a menudo tiende a equilibrarse en el borde de la inteligibilidad general debido al exceso de estímulos, información y experimentos con el paso del tiempo, nunca cae en la confusión caótica, que es claramente un signo de las cualidades de la dirección y narración de Nolan. El tema central explota ingeniosamente muchas escenas espectaculares y las enriquece constantemente con nuevas e insospechadas posibilidades de uso, lo que significa que la acción continua escalando a dimensiones altamente impredecibles y se vuelve más compleja, pero al mismo tiempo se ocupa cada vez menos de explicar lo que realmente sucede en la pantalla, cómo debe entenderse y qué debe notarse. No es necesario analizar la estructura de la película y su secuencia de forma detallada, se puede leer solo intuitivamente y sobre la base de la experiencia física, apoyada principalmente por un componente de sonido y música intensos y la acción capturada de manera realista. A diferencia de algunas de las películas anteriores de Nolan, Tenet está lejos de ser perfecta (especialmente en términos del concepto frío de los personajes principales y algunos motivos algo banales y torpes) pero aun así, es admirable y absolutamente magnífica, tiene un ritmo ágil, consistente y sostenido, no hay ni un segundo extra, se mantiene bien unida y nos deja sin aliento en muchas escenas. Es fascinante, visionaria, narrativamente revolucionaria y no hay nada que se le asemeje. Es una de esas películas en las que pensarías si alguien te dijera que no es posible hacerla. Christopher Nolan lo hizo con absoluta precisión y destreza cinematográfica.