Filmmaniak

David Attenborough habla de su vida y, en el contexto de los cambios que se han producido en la Tierra en las últimas décadas, presenta un llamado claro y fácilmente comprensible sobre el tema de la ecología. La película sirve entonces no solo como una perfecta recapitulación de la carrera de este célebre documentalista, sino también como un importante mensaje sobre el estado del medioambiente en el que, en lugar de buscar a los culpables, se presentan propuestas y visiones constructivas.

Un documental disparado con precisión al estómago, que después de los primeros veinte minutos ya es cien veces más denso y suculento que todo el asunto del metanol. Lo que comienza como un desastre total de un hospital rumano termina en una absoluta desilusión con el sistema de salud local en general, acribillado por el aparato estatal a través de la corrupción, el fraude y la mentira. Una observación ingeniosa de periodistas de investigación, sumergiéndose (a pesar de las amenazas anónimas) entre bambalinas en un cuento de hadas sobre cómo la atención médica socialista debería tratar a las personas, pero en cambio las mata. No contribuye al estado de ánimo de nadie, pero es aún más importante que salga a la luz este tipo de cosas.

Sobre todo, Mank atrae a los espectadores al desentrañar todas las influencias que lo llevaron a escribir el famoso Ciudadano Kane a través del personaje principal de un guionista alcohólico. Sin embargo, la escritura de ese guion en sí toca un segundo o más bien un tercer violín en Manko, que no se filmará en absoluto. El gran Tom Burke interpreta el papel de Orson Welles en la pantalla durante unos tres minutos en total, y Mank tampoco se apega a los hechos históricos: por ejemplo, presenta la participación de Welles en la creación del guion de acuerdo con mitos largamente refutados. De hecho, Mank está más preocupado por el funcionamiento de Hollywood en la década de 1930 y durante la crisis económica e igualmente habla del estado de ánimo político de la misma época y sobre asuntos relacionados con la elección del gobernador de California en 1934, lo que, por supuesto, no afecta tanto a la audiencia como algo atractivo. Pero ese no es el problema. El problema es que nada de esto se maneja de manera atractiva. Entiendo completamente el deseo de Fincher de hacer una película basada en el guion retrasado de su padre, pero desafortunadamente es un escenario lleno de personajes medio definidos y con poco interés, que a menudo pronuncian oraciones sutiles y bien dirigidas, pero qué pasa si no hay nadie con quien generar una relación en la pantalla. Además, la segunda mitad fundamentalmente pierde atracción y, con la excepción de la escena de borrachera en una cena de disfraces, ni siquiera contiene algo notable. Por ejemplo, Ed Wood de Tim Burton fue creado con una intención similar y resultó mucho mejor. Mank también se relaciona con el Ciudadano Kane por sus esfuerzos de tener una retro-forma audiovisual, que es impresionante pero no consistente (después de todo, se rodó en formato digital de pantalla ancha), por tener una estructura narrativa complicada llena de flashbacks (entre los cuales salta de manera bastante extraña de lugar a lugar) y por varias alusiones diferentes (citas visuales, menciones de, por ejemplo, trineos y capullos). Por lo tanto, es definitivamente necesario ver el Ciudadano Kane con anticipación. Afortunadamente, ya no es necesario centrarse en las figuras clave de la entonces sociedad de Hollywood, pero definitivamente es una ventaja

Un thriller de acción que se convierte en una comedia absurda a los quince minutos, que ataca las neuronas del cerebro con giros completamente tontos, con una historia sacada de los pelos y los estereotipos clichés (ver a pasajeros en el avión), entre ellos por supuesto, hay un médico musulmán con barba, niña volando para encontrarse con su papá, amantes tratando de tener sexo en el avión, un experto en informática capaz de programar un mensaje infectado en ocho minutos y una mujer, que se ganará toda la confianza del protagonista solo por eso, por estar sentada junto a él. Liam Neeson es tradicionalmente el último rudo, pero su oponente en forma de "terrorista invisible" tendría que ser mil veces más rudo, para idear un plan tan sofisticado, basado en una estimación precisa de las reacciones del protagonista, un panorama perfecto de la situación y un sinfín de coincidencias infernales. Gracias al ritmo que nunca decae, al menos algo sigue sucediendo y también gracias a la cámara dinámica y a las secuencias de acción exitosas, se ve bien. Sin embargo, esta es solo una acción para palomitas de una sola vez, ofreciendo cine de calidad y más de cien minutos de entretenimiento demente pero, también una historia tan disfuncional e ilógica que en realidad es interesante.

Un documental experimental artístico y muy hostil para los espectadores filmado en la inhóspita Antártida, que no cuenta ninguna historia específica, pero probablemente podrá incluir aún más significados e interpretaciones. Esos 73 minutos aparentemente sobrios serán bastante factibles, en parte debido a la pista de audio intencionalmente cacofónica que consiste principalmente en todo tipo de murmullos, bullicio y la respiración de alguien. Objetivamente, no sucederá mucho en la película: la introducción es proporcionada por unos minutos de video casero con comentarios narrativos, vivisección amateur de un ciervo y un poco de abstracción, los 65 minutos restantes son largas tomas sin palabras de la naturaleza antártica tomadas desde drones en diferentes direcciones. Hay un animal aquí y allá, y en la segunda mitad hay un científico solitario, con algunas imágenes visualmente encantadoras e hipnóticas, pero la mayoría son innecesariamente largas. Una manada de dinosaurios se inserta digitalmente en una sola toma, y al final hay un hoyo negro que conduce al espacio (tal vez estos sean recordatorios metafóricos del pasado y el futuro, quizás no). Según los creadores, la película refleja la crisis de la identidad humana y la ola de pensamiento posthumanista provocada por el desarrollo de la tecnología y la inteligencia artificial, así como por el cambio climático. Agradezco esta información, porque yo nunca la leería.

Bartosz Kruhlik, el talentoso y muy capaz debutante, se las arregló para meter mucho en esos menos de ochenta minutos: actuaciones emotivas, atmósfera densa de un tranquilo domingo de verano rural interrumpido por una tragedia repentina, una cadena de eventos acalorados con consecuencias fatales para los personajes que actúan bajo estrés y bajo presión, motivo de la demanda social de justicia en un mundo de autoridades policiales incompetentes y ricos ladrones que se esconden detrás de la impunidad política y conexiones influyentes, y la polémica sobre la fugacidad de la vida y el abordaje del patético acontecimiento desde diferentes perspectivas. Al principio, un drama realista en tiempo real sobre la seguridad de la escena del crimen, ingeniosamente representado por largas tomas del procedimiento, sin embargo, con el tiempo da paso a un melodrama construido muy tenso, en el que poco a poco se van revelando lazos familiares y amorosos insospechados, y que, en lugar de una supernova emocional, termina con metáforas literales, una simplificación de abreviaturas y torpe coqueteo con la metafísica. Esto estropea un poco la buena impresión y el regocijo de la película, que de otra manera podría representar una gran obra.

Definitivamente aprecio la media docena de chistes y escenas realmente divertidas e imaginativas, pero por lo demás es muy floja, especialmente si la comparamos con la primera gran Borat. Desafortunadamente, los enfrentamientos con los estadounidenses "desprevenidos" (que sorprendentemente esta vez se resignan y disfrutan de todo) son flojos, en algunos momentos da la impresión de una puesta en escena artificial, y especialmente la necesidad desesperada de meterlos en una trama dirigida, convulsiva y desafortunadamente disfuncional por debajo del promedio sobre la relación entre padre e hija. Mientras Cohen provoque con disfraces extraños, seguirá funcionando, pero tan pronto como se produzca la ficción, o si hay alguien más en la pantalla, la película se cae inmediatamente. Sobre la sátira superior solo se puede hablar de manera esporádica, principalmente es una comedia relativamente estándar con un humor limitado y muchos puntos ciegos.

El decrépito Al Capone, que sufre de un empeoramiento de la demencia y lucha con las consecuencias de los ataques cardíacos y las enfermedades de transmisión sexual, está viviendo el último año de su vida dependiente del cuidado de familiares. A pesar del tema que suena poco atractivo, podría haber sido al menos un drama biográfico contemplativo interesante y notablemente concebido, sin embargo, su realización es muy desafortunada, los motivos son repetitivos y las visiones delirantes de Capone prácticamente no tienen sentido, por lo tanto toda la película se convierte en nada y se desmorona como la mente del personaje principal. Gracias a los actores, al menos no es vergonzosa ni involuntariamente ridícula. Podría resumirse como una espera insatisfactoria, para que Capone finalmente recuerde, donde escondió sus millones mal habidos, pero un misterio mucho mayor es cómo Tom Hardy logró aceptar este papel, en el que, como el gánster más famoso de la historia, simplemente fuma en pañales, murmura palabrotas en italiano, chupa zanahorias y se ve repulsivo.

Mientras que la estructura narrativa del libro El atlas de las nubes recuerda más al desmontaje y montaje de una muñeca matryoshka, así, en la película, las historias individuales se entrelazan y se cuentan en paralelo, de modo que no culminan gradualmente, sino todas a la vez. Gracias al fantástico corte, conectando historias que no tienen nada en común, diálogos así como varios detalles y similitudes, y también gracias a la dirección y dramaturgia muy consolidadas, todas las historias pueden ensalzarse en lugares similares y actuar como un todo entrelazado, sin que el resultado caiga en confusión y caos. La obra ambiciosa y atrevida recuerda la adaptación de seis libros a la vez, combina aventuras históricas en el mar, drama de época, thriller de espías, comedia animada, ciencia ficción distópica y postapocalíptica mítica; además subraya el motivo central de la reencarnación y la interconexión de los personajes mediante el uso de máscaras ingeniosas y el reparto de cada actor y actriz en media docena de roles, independientemente del género, nacionalidad o color de piel. La colaboración de Wachowski con Tom Tykwer aparentemente fue un aspecto clave para que la película funcionara en todos los aspectos estilísticos y al mismo tiempo estuviera completa. Gran escenografía, excelente música, estilo revolucionario de película y sin precedentes, superposición de pensamientos de varios niveles, trabajo entrelazado con motivos y temas, una de las mejores adaptaciones de libros de la historia.

Un horror algo desequilibrado, pero interesante, sobre la vejez y las enfermedades neurodegenerativas, que son bastante confusas para el organismo. Desde el principio, para su detrimento, se filmó como un típico asunto de fantasmas en una casa embrujada, lo que corresponde al uso de los motivos habituales del género para construir dicha atmósfera (sombras misteriosas en los pasillos, algo escondido debajo de la cama, etc.), que, sin embargo, no tienen sentido y de alguna manera son extra en la película (así como todos los personajes secundarios). El tema de la película está anclado en una cruda realidad (e imprimir en ella un horror por una maldición familiar tiene mucho sentido), mientras que su resolución se basa en una única metáfora visual que al finalizar barre con todo. La alegría de los personajes no trivialmente concebidos y el exitoso trabajo con los interiores endurecen, por tanto, el aferramiento innecesario a unos pocos indicios insuficientemente entrelazados y, sobre todo, engañosos sobre la presencia de algunos fantasmas que nada tienen que ver con el tema central de la película.