Filmmaniak

Me parece esencial subrayar que no se trata de un retrato de Kamil Fila (del mismo modo que Super Size Me no es un documental sobre Morgan Spurlock, aunque él sea su protagonista). Se trata de un documental de observación que describe la crisis vital de alguien, desencadenada por la ruptura con la novia, la incapacidad para superarla y la depresión subsiguiente, junto con la crisis de la mediana edad, la masculinidad y las emociones inmaduras, y ese alguien resulta ser Fila. Se trata de un documental artístico sobre las contradicciones en la vida de un hombre cuyas acciones entran en conflicto directo con los valores que defiende, cuya autopresentación pública difiere de lo que es en realidad y en privado, y cuyo afán de superación le lleva a la autodestrucción. Es una película sobre una vida de contradicciones, en la que Fila es de hecho sólo un figurante en el que se demuestran estas contradicciones, y la evaluación de la película no debe basarse en la evaluación de sus rasgos de carácter y sus carencias morales, porque éstos no son el tema de la película. Pero la forma de arte observacional (combinada con el comentario instructivo que la acompaña y las tomas literales de literatura seleccionada a propósito) no le sienta bien a la película, y el resultado demuestra que inicialmente se hizo con un objetivo distinto: rodar un experimento de transformación física de alguien utilizando esteroides, del cual sólo quedó un torso, porque las prioridades de Fila se desviaron posteriormente hacia otro lado. Y que luego fue inventado sobre la marcha para convertirse en una película que debería ofrecer al espectador la oportunidad de autorreflexionar sobre lo egoístas o hipócritas que son ellos mismos, y sobre si también viven en algunas contradicciones o contrasentidos, lo que tampoco es un tema lo suficientemente cargante. Es un híbrido extraño, que combina documental, ficción, autoterapia, un retrato artístico de la crisis de alguien y acciones contrastadas, y un intento de salir de un experimento fallido de cumplir la intención original. 50 %.

Una extraña y caóticamente narrada mezcla de alucinaciones, flashbacks retro, manifestaciones teatrales, imágenes industriales y animaciones, que experimenta con el tema del trauma de la crueldad de posguerra en la región fronteriza checo-alemana. Un poco de Stalker y un poco de Habermann's Mill, pero realizado al nivel de un vídeo musical punk psicodélico, completamente ahogado en un simbolismo confuso e incomprensible. Es muy poco convencional, lo que en teoría puede ser una ventaja para algunos, pero no veo otros valores distintivos en ella.

Un digno final de la pentalogía en la que James Bond resulta creíble no sólo como héroe de acción que salva el mundo, sino también como hombre melancólico, desgarrado y vulnerable que añora la cercanía amorosa y un entorno estable. Fukunaga se muestra seguro en las escenas de acción y en el énfasis puesto en el argumento melodramático de la relación, donde las cualidades interpretativas de Daniel Craig se muestran en todo su esplendor. Sin embargo, a pesar de la lograda profundización psicológica en el interior del protagonista, esta sutil intimidad no causa una impresión tan emotiva y satisfactoria como debería, debido a la ligera ingenuidad del guión y a la inutilidad ocasional de los diálogos. Resulta francamente decepcionante el anodino personaje del villano principal, a cuya complicada personalidad la película presta poca atención en comparación con el protagonista, convirtiéndolo únicamente en un poco interesante e incomprensible colgador de malvados planes. Por otro lado, la agente interpretada por Ana de Armas, que aparece sólo un momento, es genial, y se merecería toda una película. La intención de rodar el final de la saga Bond con todo lo que ello conlleva es obvia, por lo que se vuelven a desempolvar las marcas comerciales conocidas, pero cuando Bond pronuncia frases sarcásticamente humorísticas mientras destruye a sus enemigos, se echa por tierra contraproducentemente el intento de hacer más sensible y civilizado a su personaje. El estilo general de la película no es particularmente diferente del estándar de las anteriores entregas de la serie de Craig, sin embargo, a sus creadores no les faltó valor para idear uno o dos elementos extra que trastocan significativamente la franquicia Bond y elevan la experiencia de ver Sin tiempo para morir a la categoría de inolvidable, a pesar de sus varios defectos.

Una película erótica sobre monjas, ambientada en un convento italiano del siglo XVII con el telón de fondo de una epidemia de peste. Se trata de un intento bastante desequilibrado de elevar la base del cine de clase B, cuya fuente es la tradición del cine de explotación italiano con monjas (nunsploitation), al nivel de los festivales de clase A. Paul Verhoeven plantó en ella sus marcas comerciales y sus obsesiones favoritas, incluyendo, por ejemplo, la ironía cáustica, el sadismo y la perversión, o el feminismo, en este caso aderezado con una crítica burlona a la Iglesia como institución hipócrita controlada por intereses de poder y que se interpone en el camino de la libertad sexual. Su protagonista, una joven monja que experimenta visiones muy vívidas de la revelación de Cristo y experimenta un despertar lésbico con una novicia recién llegada, es seguida desde la infancia en una serie de escapadas sacrílegas cuyos verdaderos orígenes, envueltos en el misterio (tal vez un verdadero milagro de Dios, tal vez sólo una obra de teatro con un objetivo interesado), impulsan toda la película. La mayor parte del tiempo, la película se divide entre una farsa de humor negro de baja estofa sobre el abuso de la credulidad de los fieles (con pedos, defecaciones y empalagosos temas pornográficos) y la figura de Jesucristo como protector, que decapita sin miedo a enemigos y bestias por igual), y un desgarrador drama serio con música seria y violencia naturalista sobre una mujer delirante empeñada en autolesionarse y los efectos negativos de la fe fanática. El choque de estos dos enfoques tonalmente contradictorios suena bastante problemático e insatisfactorio, pero puede que a Verhoeven no le importe, porque probablemente sólo quería divertirse y también provocar e indignar un poco, cosa que consiguió. Por todo ello, Benedetta también entra en la categoría de entretenimiento que roza el placer culpable, apta para proyecciones de medianoche en festivales que dividirá a los espectadores, y en la que en términos de interpretación brilla más Charlotte Rampling en el papel secundario (pero esencial y notable) de la escéptica madre superiora que la pareja de amantes.

La película se centra en el inesperado entendimiento que se produce entre un director de teatro de mediana edad y una joven chófer privada que podría ser su hija, asignada a él contra su voluntad por la compañía teatral. Gracias a la confianza que se va construyendo poco a poco, ambos pueden confiarse sus traumas y secretos, que forman parte de una historia compleja y de múltiples capas que habla, entre otras cosas, de las relaciones de pareja y el dolor de perder a una persona cercana o querida. Todo transcurre con el telón de fondo de los ensayos teatrales de «Tío Vania», de Chéjov, en una versión multilingüe (incluido el lenguaje de signos surcoreano), con diálogos de la obra a menudo presentes en otras partes de la película. A pesar de que la trama no se pone realmente en marcha hasta pasados más de 40 minutos (cuando por fin llegan los créditos iniciales), la duración de la película no es obstáculo alguno. Además, la película está excelentemente escrita y dirigida de principio a fin, y destaca no sólo por su énfasis en la comunicación formal y distanciada entre los personajes, sino también por sus numerosas escenas sorprendentemente imaginativas y la inclusión de varias fascinantes microhistorias oníricas.

Un tratado sobre un prólogo, doce capítulos y un epílogo de la vida de Julia, de casi treinta años, que busca su lugar en la vida e intenta reconciliarse consigo misma, sus emociones y sus relaciones de pareja. Un intento relativamente exitoso de testimonio generacional, que también intenta tocar varios otros temas serios, cautiva no sólo por las interpretaciones naturales de los tres personajes principales, sino también por la electrizante dirección y el simpático humor. Los diálogos, inteligentemente escritos, a veces parecen demasiado sabios, y la narración se descompone un poco no sólo por la división en capítulos sino también por correr demasiado entre los motivos, sobre todo hacia el final. Así, la película es más fuerte en algunos momentos y pasajes individuales muy potentes y expresivos, como el del destello inocente al borde de la infidelidad en una fiesta, el de vivir un día con el amor de su vida en una ciudad temporalmente suspendida, o el de las setas alucinógenas. La emoción pretendida al final no llega y dos horas son quizá demasiadas debido al ritmo que se desvanece lentamente, pero a pesar de ello, uno pasa un rato muy agradable y gratificante.

La meditativa y espiritual Memoria ha sido descrita en términos de audiencia como la película más accesible de Apichatpong, pero eso significa que como mucho más o menos un por ciento de los espectadores potenciales (entre los que no me encuentro) la apreciarán debido al ritmo extremadamente lento de la narración, la duración de algunos de los planos contemplativos estáticos y narrativamente vacíos, y el ambiguo simbolismo. Por primera vez, el cineasta tailandés se ha aventurado fuera de su país y ha abandonado la mitología y la cultura asiáticas, pero ha conservado sus inconfundibles tradiciones y enfoques poéticos. Ambientada en la Colombia hispano-inglesa, la historia trata de una viuda (interpretada de forma deliberadamente apagada por Tilda Swinton) que intenta descubrir el origen de las estruendosas heridas que de vez en cuando resuenan en su cabeza, junto con la búsqueda espiritual para dar sentido y analizar los sonidos que resuenan aleatoriamente, también se centra en motivos metafóricos contrastados, que hacen referencia a la decadencia y extinción de la vida (los restos milenarios, la enfermedad desconocida de la hermana de la protagonista) o, por el contrario, a su conservación a largo plazo (la nevera para orquídeas). En conjunto, sin embargo, es difícil mantenerse alerto viendo la película y ni la curativa y purificadora inmersión en los brazos de la naturaleza de la segunda mitad ni el extraño remate final de ciencia-ficción consiguen mejorarlo.

Una película dirigida con extrema elegancia que explora el amor y los destinos interconectados de tres treintañeros parisinos. El experimentado cineasta Jacques Audiard demuestra que no se ha quedado atrapado en el pasado, que sigue representando el cine moderno, teniendo facilidad para escribir diálogos inteligentes pero plenamente creíbles y construyendo personajes convincentes y bien elaborados. Al mismo tiempo, dirige a los actores y trabaja con la música magníficamente. La cámara en blanco y negro es también espectacular ofreciendo no sólo un erotismo muy estéticamente rodado. Algunos de los temas tratados parecen un poco redundantes, pero la película en su conjunto sigue funcionando por encima de la norma.

Un debut muy maduro y bien asido del talentoso Panah Panahi que se ve que es hijo de su padre. En el fondo, se trata de un drama sobre la despedida de una familia de su hijo adulto que abandona su tierra natal, pero a pesar de la gravedad de la situación, la película se inscribe más en el género de una road-movie cómica muy agradable de ver y entretenida, en la que el humor y la amargura están perfectamente equilibrados. Desde la primera escena, la película rebosa de ideas de dirección, situaciones divertidas (y a veces tristes) bien rematadas y una divertida interacción verbal entre los miembros de la familia, además del melancólico e introvertido hijo mayor, en el coche alquilado también está el extrovertido y extremadamente enérgico hijo pequeño (una de las mejores interpretaciones infantiles de la película, que he visto nunca), un padre parlanchín con una pierna rota, una madre cariñosa que promete no llorar y un perro enfermo. Los interiores apretados del coche se alternan con tomas cuidadosamente compuestas y rodadas desde lejos de los vastos exteriores. En general, la fotografía es hermosa. Defectos - el chiste falla a veces (las constantes burlas al hijo mayor no suenan muy graciosas, aunque probablemente deberían), el contexto no tan claro del motivo del viaje del hijo diluye un poco las emociones, y el final es innecesariamente sentimental. Pero, por lo demás, una gran sorpresa y una curiosidad extrema por lo que este cineasta hará a continuación.

Este romance original sobre el acercamiento gradual de opuestos cuenta con grandes actores y una ambientación poético-realista perfectamente elaborada de los desgastados interiores de los trenes rusos (que se parecen bastante a los trenes de los ferrocarriles checos), así como un excelente trabajo de cámara y paleta de colores. Sin embargo, tras llegar al destino final, la cadena de la película decae y los giros de la pareja central no resultan tan atractivos como sus encuentros anteriores. Pero, sobre todo, la trama romántica sobrepasa un poco el límite de lo creíble en su caso por la incompatibilidad mutua de los dos personajes, construida desde el principio, cuando ella es una universitaria lesbiana e intelectual y él un minero primitivo, tosco y borracho (aunque de buen corazón).