POMO

Un viaje humanista al alma de un hombre que parece un monstruo pero es hermoso por dentro. Magistral trabajo de cámara e iluminación, excepcionales interpretaciones. La visión del director sobre su tema es tan sensible que parece como si hubiera caído de rodillas ante él. Un evento cinematográfico con uno de los finales más bellos jamás vistos en pantalla.

En Million Dollar Baby Clint Eastwood no se movió del ring, aquí no se mueve del porche de su casa. Gran Torino sigue los pasos de cámara de su reciente obra de boxeo y le da al espectador un golpe de gracia aún más fuerte. Clint dirige a uno de sus personajes más interesantes en una película que fluye como mantequilla. En el entorno claro de una historia simple, se destaca de manera ejemplar la continuidad perfectamente fluida de las escenas individuales, que se sirven ante nuestros ojos durante el curioso estudio del personaje de Clint como si lo hubiéramos pedido. Incluso una breve toma de cortar el césped tiene sentido en esta película. Todo en ella tiene un significado y un lugar. Y sin hablar de la canción de los créditos finales...

Una comedia de situación estadounidense de diez centavos sobre una familia disfuncional concebida como un largometraje. La mitad de los chistes no son divertidos y el resto está bien. Afortunadamente, antes de que termine la película, conocerás a los personajes y obtendrás al menos algo de humor, pero la mayoría de las veces no entenderás dónde está la broma. Idéntica en tema pero mucho más imaginativa es la comedia de Frank Oz Un funeral de muerte (2008).

Un sombrío thriller policíaco en la línea de las películas Seven o Zodiac de Fincher. Fuerte atmósfera de desesperación, gran Daniel Auteuil, bella y frágil Olivia Bonamy, diálogos con servilletas sucias en un cenicero regado con whisky frío. Técnicamente brillante. Pero el guión podría haber sido más comedido a la hora de ahogar en alcohol al policía de Auteuil. Probablemente bebe más que Nick Cage en Leaving Las Vegas y hace que la película parezca 20 minutos más larga de lo que es. Pero toda esa penumbra construida con diligencia aún merece cuatro estrellas sólidas.

Como un éxito de taquilla histórico para la audiencia consumista. Personajes y emociones demasiado simplificados creados por una iluminación hortera que difumina la imagen más allá de sus rostros, como en las peores telenovelas. Por otra parte, la historia tiene un ritmo agradablemente rápido y Bratislava y Praga en el fondo de la música de Philip Glass, parecen irresistibles, casi de un cuento de hadas. Es un poco sorprendente que el personaje (y la actuación) más destacable no sea el de Edward Norton, sino el de Paul Giamatti. Si no hubiera sido por el torpe intento de impresionarnos con el remate, que cualquier espectador ligeramente pensante adivina (al menos) diez minutos antes; y especialmente por todos los agujeros en la trama y la ejecución a medias, podría haberle dado unas 4* «culpables».

La película podría haber sido aún mejor si se hubiera centrado más en las causas de la enfermedad de Lars y hubiera profundizado más en su psique (ver Despertares). Pero tampoco hay que desechar la vía más sencilla que eligieron los cineastas, una visita a lo Hallströma un pueblo donde un bicho raro cuenta con el máximo apoyo de la comprensión y los buenos vecinos. El enfoque de los cineastas es original, dirigido a un espectador más sensible, tiene una encantadora perspicacia humorística y un delicado equilibrio entre la realidad y un mundo idealista coloreado. Y hace falta mucho talento para escribir y dirigir eso. Me inclino por las cuatro estrellas no sólo por el excelente Ryan Gosling, sino por TODOS los actores. No funcionaría sin ellos. Y también por esa sabia definición de la edad adulta de Paul Schneider.

Dentro de la filmografía de Lucio Fulci, manchada por unas cuantas películas de terror de mierda, las que paradójicamente le hicieron más «famoso» (y lo tiraron a la sombra del terror de clase B), Le porte del silenzio es un ejemplo por encima de la media de su talento para crear atmósferas y trabajar con la cámara y la escenografía. En este caso, principalmente exteriores. Lástima que el remate esté claro prácticamente desde los créditos iniciales y que la película empiece a arrastrarse en el último tercio. Pero gran parte de esto se compensa con el decente John Savage, al que la cámara prácticamente nunca quita el ojo de encima.

Esta fascinante fantasmagoría deleita con la magistral dirección emocional de Neil Jordan y al mismo tiempo irrita con la virginal inocencia de su historia, que lamentablemente fue concebida como una irritante maraña de tres tramas entrelazadas. Una experiencia asombrosa y dolorosa a la vez, y sin duda una película como las que ya no se ven mucho. Hermosas escenografías y un buen cameo de Terence Stamp.

Lo único que socava un poco esta película es el entorno temporal poco claro. Para que los eventos no parezcan poco realistas y exagerados desde el punto de vista actual, utiliza música similar a la de que suena a Herrmann y está ambientada en la posguerra. Sin embargo, así como el aspecto técnico de la película, corresponden a la actualidad para resultar atractiva para el público adolescente (más perceptivo) de hoy, para quien puede convertirse en la película de sus sueños. Sin embargo, si miramos más allá de estas inconsistencias, Evil se convierte en un drama emocionalmente poderoso y perfectamente rodado (hermoso trabajo de cámara), con elenco y actuación de primera, cuyo aspecto formalista coincide con el de las mejores producciones de Hollywood.

Un contenido tonto con un remate disfuncional. Pero reboza tanto del amor de los cineastas por el grindhouse, el trabajo de cámara de Robert Rodríguez y, lo que es más importante, del interés por rellenar cada plano espectacular, aunque sólo sea durante unos segundos, que como entusiasta homenaje amateur a Tarantino y Rodríguez no puede dejarte frío. También hay que alabar al bien elegido narrador, así como la apariencia y las voces «indulgentemente cómicas» de los personajes principales. Jan Votýpka es un loco en el mejor sentido de la palabra. Mis tres estrellas son un compromiso entre el contenido de dos estrellas y el concepto de cuatro estrellas.