POMO

«Preludio decentemente dirigido de un vídeo de Pornhub milf-stepmom-algo», es lo que uno quisiera escribir la primera media hora. Y el porno llega, con detalles sorprendentes y naturalismo. Sin embargo, el capricho irresponsable de una mujer cincuentona, que parece ser un mero divertimento para amas de casa aburridas, se convierte en un drama familiar de proporciones inesperadas que repercute en todos los implicados. Los daneses vuelven a abrir el tema de los matices oscuros de la naturaleza humana, esta vez los femeninos más peligrosos, los manipuladores, con precisión psicológica. La escena del contraataque de la protagonista cuando es acorralada por su marido mediante una acusación es la que más abiertamente confiesa los típicos rasgos de mal carácter del sexo débil. Para ser de hoy en día parece sorprendentemente abierto y directo. Me sorprende que Trine Dyrholm haya querido hacer un papel así. [Helsinki IFF]

No me importan los personajes unidimensionales ni la brutalidad de la venganza en el contexto de los placeres culpables del género, pero The Nightingale, con su limitadísimo talento narrativo capaz de lo máximo mencionado, quiere ser un relato temáticamente significativo de la cruel época del asentamiento de Australia por parte de los ingleses, con su prepotencia y su duro trato tanto a los aborígenes como a los convictos. El asesinato de niños pequeños, la violación y el asesinato de familias campesinas es solo por diversión. Después de un comienzo muy fuerte, que sugiere un revenge flick brutal, la película se desplaza gradualmente hacia un objetivo más fantasmagórico, y todo el tiempo parece como un costoso ejercicio de estudiante de cine mediocre. [Helsinki IFF]

Un estudio de personajes de un policía islandés, un padre, un abuelo y, sobre todo, un viudo reciente que descubre los secretos de su difunta esposa. No se trata de una novela policíaca, sino de un poderoso drama íntimo sobre una vida de amor más allá de la tumba, la decepción y el perdón. El tema, aparentemente sencillo, se ve reforzado por una narración en la que el espectador tiene que responder a algunas preguntas por sí mismo, y por inserciones creativas de guion/edición que lo hacen interesante y distintivo (el plano inicial de las caras del clima islandés, los monitores de la policía, la roca que cae, etc.). Además del excelente Ingvar Sigurðsson. [Helsinki IFF]

Una película que se salva por el trabajo del cámara «con el blanco y negro», el encuadre y la iluminación. Y por cómo la producción capta la época con los decorados y el vestuario. En términos de estructura narrativa, sin embargo, es completamente monótona, carente de un arco dramático, de simbolismo artístico, de técnicas de montaje más sofisticadas y de un desarrollo emocional interno, que podría haber sido suplido al menos parcialmente por la música (al menos, completamente ausente). El pájaro pintado carece de la mayor parte de lo que necesita una película de este tipo. Los personajes tienen rostros articulados, pero solo permanecen unos minutos, casi no hablan y no aportan nada a la película. Solo con su fealdad contribuirán a la pérdida cada vez más prematura de la inocencia del niño en un entorno feo. Y entendemos que se trata de la pérdida solo en los últimos minutos, después de casi tres horas de acumulación monótona de episodios que parecen y suenan de forma parecida.

Un análisis psicológico de la mente de un astronauta que no tiene una relación resuelta con su padre muerto (?). No es una película de ciencia ficción, sino una confesión monológica autorreflexiva e inteligentemente escrita de las dudas internas del personaje de Pitt sobre el significado de la dedicación absoluta al trabajo, a costa de desviarse del camino que dirige el corazón. El viaje por el espacio, aunque está muy bien hecho, «solo» lo hace visualmente atractivo y añade una dimensión filosófica mágica. El final puede incluso decepcionar a los fans acérrimos de la ciencia ficción que esperaban grandes cosas. La película es cercana al El primer hombre de Chazelle, pero más emocional y frágil.

Es una película suave. Ni lo bastante terrorífica ni sangrienta, solo con un trabajo de ambientación/diseño de calidad y una ambientación ochentera muy bien representada (en la que hubiera estado más a gusto). El espectador de terror actual, incluso el más joven, está acostumbrado a experiencias de género más intensas, que transmiten escalofríos y sustos más fuertes. Incluso en obras pero escritas y dirigidas. Pero debido a la intensidad, va a verlas. Y aquí no tiene mucho de eso.

Menos cohesionada que la primera a la hora de contar una historia dramática y retratar a los personajes, más de serie B (la búsqueda de artefactos personales es el cuarto más flojo de la película). Por otro lado, más densa en acontecimientos, con más monstruos, aunque incorporados sin sentido o robados de alguna parte (la cabeza de araña al menos tuvo por fin más espacio). Me entretuve en algunas partes, me aburrí en otras, y en general como que no me interesa la tercera.

Una tienda de ropa atemporal, como un colorido templo de las necesidades y debilidades humanas, habitado por un vampiro gótico, un extraño sirviente y cortesanas. Un misterioso viaje a los fetiches humanos y a las ansiedades interiores a través de una atractiva lente giallo. La primera mitad es intrigante y provoca curiosidad. Pero la segunda, que pasa la página y sigue a otras víctimas, solo es interesante al principio, antes de empezar a conectar con el lado común del mal. Luego empieza a aburrirse recordando situaciones de la primera mitad que no van a ninguna parte significativa. Y el dramatismo general de la narración, casi hipnóticamente envolvente, se va por la ventana. Es como si Strickland no supiera cómo terminar una gran mano. Funcionaria mejor como serie, en la que los vestidos del asesino visitaran un hogar diferente en cada episodio. El cineasta pudo así montar decenas de constelaciones extrañas de personajes y su funcionamiento íntimo «a puerta cerrada».

¿Realmente necesitaba Fritz Lang plagiar a Hitchcock de forma tan barata? Esto no es un homenaje o tributo a Rebeca, es en todos los sentidos un pobre plagio de ella. No tiene la ambientación gótica que debería haberle dado la atmósfera misteriosa necesaria y al protagonista masculino le falta el carisma necesario. El personaje del hijo, el más interesante en potencia, está clamorosamente sin desarrollar. La revelación final es insatisfactoria y banal. [Noir Film Fest]

Es un placer ver el bello y elegante cine de los primeros tiempos de Hollywood, en lujosos decorados y con actores bien elegidos y estilizados que la historia. Ya no consigue cautivar como lo hizo en el momento de su creación, y solo aporta un velo de emoción al público con la revelación final de la verdad. Además, la posición ansiosa de la protagonista en la historia es más sentida por el público femenino que por el masculino. Para mí, Rebeca tiene que ver con el carisma de estrella de Laurence Olivier, el diseño y la atmósfera de la sombría mansión de Manderley y la negra silueta del misterioso ama de llaves en los interiores de largas cortinas. Es decir, elementos que Hitchock utilizó posteriormente en obras más significativas y, para mí, más importantes. [Noir Film Fest]