POMO

Una película de alpinismo no sólo sobre la primera ascensión a una montaña extremadamente difícil del Himalaya, sino sobre todo sobre el viaje de un sueño compartido entre tres alpinistas que volvieron a la montaña a pesar de un primer intento devastadoramente fallido y con mínimas posibilidades de éxito debido al deterioro de la salud de uno de ellos. Al mismo tiempo, es una película sobre la pérdida de seres queridos y la determinación de hacer realidad el sueño de tu equipo, aunque «sobrevivir a tu propia muerte» sugiera claramente «¡basta ya!». Gracias a Jimmy Chin, rodado en los lugares más locos con una calidad de imagen de lujo.

A la media hora, revive sólo a la tortuga. Pero hay dos mujeres con testas correteando por ahí, una de las cuales (la morena) cocina y le hace compañía y la otra (la rubia) le quiere platónicamente. Junto a ellos, la trama, lenta y escasa, es animada por un creciente número de cadáveres: este Víctor es una mierda condescendiente y no le perdona a nadie. El monstruo bien musculado, pero con los ojos de un buen tipo, es cualquier cosa menos «terror». El final es imaginativo, pero insatisfactorio tras la larga travesía por la basura.

Tan minimalista en sus trucos cinematográficos emocionales y, sin embargo, tan apasionante e impactante. A lo largo de las dos horas y media de metraje... Ron Howard aprovecha la gravedad de la situación y se basa en una percepción detallada del estado psicológico de los participantes. Una responsabilidad que les pesa hasta un punto casi insoportable. Y el propio proceso de rescate, ése corta la respiración. Una experiencia completamente diferente a leerlo en el periódico. Perfecto Viggo Mortensen, genial Colin Farrell. Sin música manipuladora, sin patetismo o heroísmo cinematográfico. «Sólo» un trabajo realizado con precisión y profesionalidad, extremadamente difícil y arriesgado, de unos cuantos valientes. Una película sin pretensiones que sólo crecerá con el tiempo.

Scott Derrickson es un buen artesano, sus películas siempre se ven bien. Aquí, sin embargo, intenta combinar el tema del thriller de un secuestrador de niños (realidad) con una historia de fantasmas (fantasía) de una forma más mecánica que creativa, y la verdad es que eso no funciona. Los elementos espirituales sólo cumplen la función del desarrollo de la trama. El villano no da suficiente miedo y está poco descrito. Ni siquiera sabremos su motivo. La línea dramática con el padre débil y violento no tiene suficiente espacio. El motivo de «algún día tienes que defenderte por ti mismo» tiene mucho atractivo, pero sólo está dirigido a un público adolescente. El pilar más estable de la película es el joven Mason Thames en el papel protagonista. De él volveremos a oír.

Queriendo ser Creepshow, pero de clase C con una ejecución técnica chapucera y actuaciones ridículas. Pero los aficionados al género disfrutarán con Gunnar Hansen (el Leatherface original de 1974) en el papel protagonista del carcelero y los amantes de las mujeres hermosas disfrutarán con la pecadora prisionera Debbie Rochon que le lee sus cuentos. Por desgracia, entre ellos no ocurrirá nada de lo que el espectador desea.

Para un espectador que conoce el talento cinematográfico de Peele y sus limitaciones como guionista, ¡Nop! es exactamente el tipo de chorrada que anunciaban los avances. Este director sabe rodar casi cualquier escena de manera tal que resulte atractiva. Pero cuando esas escenas sólo insinúan algo durante cien minutos, y algunas de ellas no tienen ninguna relevancia significativa para la ya de por sí escasa historia (la asiática y el chimpancé), no es más que un engaño. La mezcla inusual de motivos de género de Peele (en este caso, terror de ciencia ficción y westerns) puede parecer audaz y original, pero en una película que se supone que debe dar miedo mientras se balancea al borde de la parodia, la visión creativa se pierde. En cuanto la ejecución, ¡Nop!, está en algún lugar entre Déjame salir que se basó en una idea brillante, y Nosotros que fue una tontería ridícula.

140 minutos es mucho tiempo para un concepto de auténticas actividades nocturnas de unos pocos personajes en lugares cotidianos de Berlín. La primera mitad es un poco lenta debido a escenas y diálogos demasiado triviales. Pero es aún más sorprendente y absorbente si uno no se sabe nada de la trama. Los problemas llegan con insinuaciones, los sospechamos y tememos porque la protagonista no se los merece. Una «sola toma» muy hilarante, emotiva y minuciosamente tramada, con buenas interpretaciones.

No es precisamente un tema revelador sobre el éxito en el mundo del espectáculo a costa de perder la inocencia y los amigos, pero colocado en el escenario más apropiado y técnicamente rodado a la perfección. Un documental que engaña con el cuerpo de un largometraje mejor que sus estrellas femeninas fingen placer. Debió de ser una delicia verla en una sala abarrotada del festival, penes gigantes y ambiente porno dominan la imagen desde el principio. La película es una interesante guía de cómo es el negocio del porno en Hollywood (agentes, fiestas, platós de rodaje y comunicación entre cineastas), y también presenta a personajes reales del negocio. Es lo más abierto posible, no teme mostrar plenamente incluso los momentos más incómodos por los que puede pasar una actriz porno en ciernes, siempre que ella no se resista a nada. Por el contrario, al escalarlos, desarrolla hábilmente la transformación de la protagonista, que, a pesar de su inexperiencia inicial, consigue llegar «cada vez más alto». La sueca Sofia Kappel encarna muy bien al ángel rubio con apetitos lujuriosos, y la morena femme-fatale Evelyn Claire es su alter ego ideal, a la que admira y con la que consigue la mejor escena culminante de la película. No quiero sacar de nuevo Mulholland Drive, pero David Lynch es una gran influencia para generaciones de cineastas. Aquí, además, con la sombra de temática porno de Carretera perdida. Si la técnicamente brillante Pleasure no fuera tan suecamente fría y poseyera la poesía envolvente y la complejidad de sentimientos de las películas de Lynch antes mencionadas, provocaría en el espectador un hambre mental incluso antes que el físico.

Una cargada aventura en el bosque con una bonita poética india y un espectacular regreso del segundo mejor monstruo cinematográfico de la historia. El guión avanza y contiene detalles y sorpresas agradables, la acción es maravillosamente fluida y cinética. El elemento de poder de la mujer es natural y creíble y el motivo atractivo «salvaje contra salvaje en el desierto» utilizado a la perfección. Actores y maquillaje decente, la desconocida Amber Midthunder es un líder diez veces mejor que el ganador del Óscar Adrien Brody (por lo demás sólidos Depredadores de Nimród Antal). Hay algunas cosas menores que criticar de la película, por ejemplo la pelea final podría haber estado más pensada y menos precipitada, pero son detalles en relación con la satisfacción general. Ninguna franquicia cinematográfica está muerta, sólo espera al hombre adecuado. Y dentro de ella, Dan Trachtenberg tomó su propio camino, puso su corazón en ello y es el que más triunfó. Una película de un cineasta de talento y cinéfilo, para cinéfilos.

Un arco dramático al revés. Una de las aperturas cinematográficamente más nutritivas de la historia del cine, pura euforia cinéfila por la interacción de la cámara, el sonido y el montaje. E incluso después de eso, De Palma nos recuerda durante mucho tiempo lo mucho que ama el CINE y a Hitchcock. Pero el potencial de la trama, brillantemente iniciada, se ve después seriamente mermado. El guión se centra demasiado en los detalles, pierde impulso en el argumento principal y pasa de un modo juguetón e inteligente a un modo de impotencia guionística y farsa.