POMO

Es como pelar una cebolla, cada una de cuyas capas tiene un olor tan intenso que solo puedes cerrar los ojos cuando ves el núcleo. Una historia muy potente, contada con maestría y con un enfoque ligeramente artístico, pero con un tema muy agradable para el público. Simplemente Villeneuve. Explicar la historia con conciencia del contexto me pareció más funcional y mucho más emocional que en La llegada, donde (sorprendentemente) lo eché bastante de menos. ¿Cómo es que Mélissa Désormeaux-Poulin no actúa en cosas más grandes después de esto?

Un encuentro íntimo entre el vacío y la plenitud, la soledad y el reencuentro, la destrucción ciega y la decepción. Una «pequeña película» audaz, abierta y psicológicamente precisa en la que todo funciona exactamente como debería. ¡Quiero una película de Polanski!

Tan clon de película de serie B como Un lugar tranquilo y A ciegas que los acostumbrados a consumir sobre todo «producción cinematográfica» no estamos acostumbrados a algo así. Por supuesto, estamos hablando principalmente del guión y la dirección. Los valores de producción son algo de lo que puede ocuparse la rica y segura Netflix.

Un tema encomiable para un drama de supervivencia. Un tipo se cuestiona su conciencia impura durante una lucha solitaria por su vida… Pero aparte de la bonita música y las atractivas localizaciones costeras de Fuerteventura, es completamente disfuncional. Tanto en los diálogos, que se ciernen torpemente sobre el tema, como en el arco dramático, que puede mantenerte ligeramente curioso sobre «cómo acabará», pero no en suspenso. Y desde luego no en la empatía de los personajes. Parece el trabajo de un buen videoclipista, pero sin capacidad de contar sobre las personas y sus sentimientos.

La película entretiene, tanto por los gánsters como por el humor y, sobre todo, por Riccardo Scamarcio, que ha nacido para estos papeles. Pero en cuanto a la trama, se limita a copiar a Scorsese y lo de la cicatriz en la cara, pero no puede estar a la altura de su brillantez. Tanto la escritura como la dirección. Tampoco presenta la hipocresía de los valores de los personajes con la autorreflexión encantadora e irónica, aunque e seria, de los clásicos mencionados.

Un espectáculo deportivo de alto nivel, cargado de testosterona, colocado en las pantallas verdes de National Geographic, que pretende ser una historia de cine con la misma idea que la película original de 1991. Visualmente muy bien filtrada, con rostros actorales simpáticos, narrativamente pero totalmente retrasada. Y las exhibiciones deportivas, que al menos no son tan risibles como la escalada final sobre los voladizos mojados, no están rodadas con la misma nitidez y esfericidad que en The Art of Flight 3D en la que clarame se inspira (ver también los gráficos similares de los créditos finales de apertura).

Una rutina sin concepto que probablemente complacerá a los adolescentes acríticos con palomitas (contiene tanto sustos como gore), pero decepcionará o molestará a los fans de la temática y a los aficionados pensantes del género. La película tiene momentos fuertes (el abrazo de la madre a la hija) y bonitos efectos visuales en algunos lugares (el cementerio), pero también es tonta hasta la médula y en su mayoría carece de la visión del director tipo «quiero dar a un tema original una interpretación cinematográfica interesante». Los actores están bien, la armonía familiar y la atmósfera inicial del escenario gélido funcionan, pero más adelante en la película empiezan a suceder cosas individuales que la desvían.

Una apuesta segura. Bonito pero soso. Incluso el primer tercio, con su manida presentación de los personajes principales, mata cualquier esperanza de una aportación original a la gloriosa historia. Y el resto de las imágenes no desmienten la premisa. Pero no es aburrida, Costner y Harrelson se mantienen, y la conversación de Costner con el padre de Bonnie (William Sadler) es más profunda. La captura final de la pareja de delincuentes ni siquiera fue hechizante en la vida real, por lo que no puede concluir la película con la espectacularidad que el género necesita.

Harbour es bueno, dice buenas frases. Gigantes parias del infierno en el que quizá sea el final más impresionante de todos. Incluir a Milly Jovovich en el reparto define acertadamente al público objetivo de aficionados a los espectáculos de monstruos sangrientos de serie B. La imaginación de Neil Marshall no tiene límites, al igual que su valor (¿o su falta de sentido común?) para tirar por el desagüe un presupuesto tan elevado. Su Hellboy entretiene con su estupidez y sobreactuación, pero verlo en el cine me pareció extremadamente fuera de lugar, incluso bizarro. Con el equipo adecuado en casa, con cerveza y palomitas, podría haber sido de tres estrellas.

Un fiasco de género que, como Annabelle: Creation, ataca al espectador amenazando a los niños. Como ocurre con las películas de terror tópicas y sin rostro, intenta ahogar la inventiva y la lógica agujereada del guión con un diseño de sonido ruidoso y unos valores de producción decentes (léase: sonido intenso y buen aspecto). Es decir, nada por lo que se pueda recordar la película dentro de unos años. No hay ninguna conexión con el universo de Expediente Warren: The Conjuring.