Filmmaniak

Está mejor dirigida, es más imaginativa y tiene algo más de acción que, por ejemplo, las de acción real Garfield, El oso Yogui o Stuart Little, pero por lo demás no veo ninguna diferencia importante. Para los aficionados a los videojuegos y los niños menores de diez años, está definitivamente bien, pero por lo demás Sonic la película no es más que un espectáculo familiar muy mediocre que a veces subestima la inteligencia del espectador. El Jim Carrey hiperestilizado está bien, siempre que no caiga en lo ridículo. Llama la atención la frecuencia con la que los cineastas utilizan la capacidad de Sonic de correr rápido cuando les conviene para crear un gag, pero casi nunca cuando sería apropiado en términos de soluciones prácticas a las situaciones problemáticas en las que se encuentran los protagonistas. Menos mal que los fans pusieron el grito en el cielo en internet por el nuevo diseño de Sonic, porque si se hubiera quedado en el original, tendríamos un nuevo Howard el pato. Espero que después de eso por lo menos hayan ido al cine.

Una distopía de ciencia ficción visualmente bastante imaginativa, en cuanto a trama, giros y elementos específicos, fuertemente inspirada en las técnicas narrativas de Hollywood, que se ve socavada por una considerable ingenuidad narrativa. Intenta ser más espectacular de lo que es capaz, pero gracias a sus acertados trucos y a veces incluso a su atmósfera, sin duda resulta ser impresionante para los estándares europeos. Subjetivamente, sin embargo, es terriblemente larga y verbosa, muchos pasajes deberían haberse cortado (por ejemplo, la agonizante ojeada a un libro ilustrado con animales podría haber terminado después del gato y el búho), y el remate final, literalmente exhausto, también es una pena.

Este híbrido de género socialmente crítico se mueve entre varios temas y personajes la mayor parte del tiempo. Sobre todo, señala las lagunas del sistema por el que varios países poscomunistas se han convertido en un refugio para las empresas capitalistas occidentales, a través de una visión del entorno de los trabajadores de la construcción que trabajan ilegalmente y en condiciones peligrosas, y de sus insensibles empleadores que los explotan para engañar a los promotores extranjeros. Como nexo de unión entre ambos mundos, la película utiliza a la protagonista, una gerente moralmente ambigua que lleva mucho tiempo intentando sacar adelante a su familia y es la amante de su jefe, un traficante inmobiliario, que se ve empujada cada vez más allá de lo que está dispuesta a soportar en su trabajo. La película también gira en torno al personaje de un joven simple que planea marcharse con su novia tras terminar su trabajo de obrero. Esta película realista con fuertes elementos satíricos y un título irónico (y algunas notas falsas en las interpretaciones de varios personajes secundarios) comienza como un drama social, termina como un thriller y durante todo eso se convierte varias veces en una comedia negra en la que trabajadores vagos y borrachos hacen todo lo posible para no tener que trabajar. De este modo, la película plantea varios motivos que invitan a la reflexión, que en algunos casos dan escalofríos, pero que al mismo tiempo tardan casi hasta el acto final en asentarse, conectarse y, finalmente, llegar a ser realmente atractivos.

La primera mitad se centra en los enfrentamientos del rebelde Elvis con el comité de censura, que considera obscenos sus movimientos de contorsión, mientras que la segunda se base principalmente en los conflictos de Presley con sus prójimos, cuyas expectativas se niega a cumplir por principio o, para su propia decepción, ni siquiera puede satisfacer. Toda la película gira en torno al esfuerzo inquebrantable por preservar la propia identidad personal y musical, que es la única clave del éxito y la inmortalidad del artista. Carismático y dotado para el movimiento y el canto, Austin Butler está absolutamente soberbio en el papel principal. No sólo consigue cautivar sin pestañear durante los números musicales fantásticamente filmados, sino que incluso en los momentos tranquilos logra captar una gama bastante amplia de emociones con naturalidad y sensibilidad. La mayoría de los papeles secundarios y periféricos también están interpretados por actores muy bien elegidos. Por supuesto, también se da el mayor espacio al gran Tom Hanks como el segundo personaje más importante del agente musical de Presley y narrador de la película, que repetidamente intenta convencer al público en sus comentarios de que siempre tuvo buenas intenciones con su pupilo, pero sus acciones, plasmadas en su imagen, dicen lo contrario. Su perspectiva como narrador poco fiable es naturalmente complementaria a la de Elvis, y la película se basa significativamente en las transformaciones de su relación de amistad-familia-negocio. La historia sigue una estructura rítmica precisa, en la que las actuaciones de Elvis constituyen siempre el clímax de los distintos segmentos y periodos de tiempo. El director Baz Luhrmann está en su mejor momento desde Moulin Rouge, y también destaca como fenomenal narrador audiovisual y maestro del montaje, que sólo necesita unos pocos planos de dos segundos y un fondo musical adecuado para captar instantáneamente el ambiente adecuado de un momento, un escenario y unas circunstancias dadas con una bravura sin precedentes. En el campo de los biopics sobre leyendas de la música, Elvis es una joya que presenta al personaje titular en muchas posiciones y estilos diferentes, impresiona independientemente de si conoces su vida y sus canciones, y gracias a muchas marcas comerciales y técnicas cinematográficas reconocibles simplemente deja claro quién la dirigió. Es un viaje audiovisualmente envolvente y fascinante desde los primeros planos, que pide a gritos ser proyectado en la gran pantalla.

El episodio más flojo de la serie presenta a Johnny English como un agente secreto analógico de la vieja escuela que de repente se enfrenta a tecnologías digitales modernas como los teléfonos inteligentes y la realidad virtual. Sin embargo, sus estruendosos choques con las comodidades contemporáneas sólo están presentes de forma esporádica en la película, por lo que la mayor parte del humor, basado en gran medida en las dos películas anteriores, se transmite de nuevo mediante la clásica «comedia de Bean», además de los juegos paródicos con el género de las películas de espías. Sin embargo, las desgastadas escenas con los tan manidos gags físicos (al protagonista se le engancha un adorno en la nariz mientras be un cóctel, se asusta con el fuego mientras se flambean gambas y las derrama por el suelo...) resultan bastante exhaustos y previsibles. La dirección, en general rutinaria y cansina, no ayuda mucho con su falta de sentido de la comedia. Además, los cineastas parecen ser unos conservadores anticuados y tecnófobos que presentan las nuevas tecnologías como herramientas del mal que la mayoría de los personajes de la película no entienden en absoluto, incluido el protagonista, cuya no adaptación a nada moderno se ensalza como una virtud -en el final, incluso va vestido con una armadura medieval para enfatizar aún más que es un héroe de los buenos viejos tiempos-. Un héroe al que, en general, se considera un imbécil incompetente que siempre mete la pata y siempre alcanza el éxito por accidente, pero que, sin embargo, es elogiado por la primera ministra en las escenas finales como representante de los valores y cualidades británicos correctos. Rowan Atkinson suele ser capaz de salvar mucha cosa con sus muecas, pero esta vez sus creaciones no fueron suficientes para salvar una comedia tan floja y poco desarrollada, sin imaginación y con un humor débil, poco imaginativo y trivial.

Otra contribución a la chapuza de comedia checa que insulta a hombres y mujeres y a la inteligencia en general. Nada más que un desfile sexista de estereotipos perniciosos que se afirman y normalizan en lugar de refutarse, y aún más monstruoso que la película anterior. Jiří Langmajer, como mujer en cuerpo de hombre, realiza una exageradísima caricatura de la feminidad (que contradice el modo en que se comporta la protagonista en la parte inicial, cuando aún tiene cuerpo de mujer), acude a entrenamientos deportivos en leggings rosas, pide «agua con limón» en un restaurante y aprende por primera vez lo que es recibir un pelotazo en los testículos. Sin embargo, sólo se convierte en un hombre de verdad cuando se tumba en el sofá con una botella y empieza a tirarse pedos. Uf, uf. Pero, sobre todo, es una comedia que, bajo la apariencia de hipérbole de género, sugiere a las mujeres que cosas como descuidar la higiene o la necesidad compulsiva de escupir a lo lejos (pero también la infidelidad, los celos o el machismo) forman parte de las naturalezas masculinas que deben ser disculpadas y toleradas por las mujeres. Las mujeres son presentadas como las causantes de todos los problemas y dolencias de los hombres, incluidos los pedos, porque cuando hacen los pasteles para los hombres les ponen demasiada levadura. Los únicos personajes femeninos significativos de la película son la terapeuta incompetente que odia a los hombres e inculca su desprecio a todas sus clientas femeninas, su amiga que le recomienda sin vacilar que se busque un amante como receta para una relación feliz, y la camarera de la taberna que se ofrece activamente a sus clientes aficionados al fútbol, mucho mayores que ella, mientras ignora sus molestas gilipolleces. La mayoría de las veces, los hombres son retratados como primitivos apestosos bebedores de cerveza que sufren más por el hecho de que sus esposas/parejas siempre quieren algo de ellos y nunca pueden saber exactamente qué, porque la mente femenina es simplemente demasiado compleja para que los hombres la entiendan. Comprar flores es entonces una excusa universal para todo y una solución a todas las crisis de pareja, al igual que las cenas ocasionales a la luz de las velas, que también son una promesa casi garantizada de una noche apasionada. Además, la película es perezosa, poco inventiva, poco imaginativa y desesperadamente incoherente y mal concebida. Termina con una conclusión brutalmente precipitada, en la que el final feliz llega de repente en un chasquido de dedos. A pesar de todo, Rudolf Havlík parece ser un cineasta capaz e inteligente, pero realmente no necesitaba esto. No vayan a verla, porque en ese caso harán la tercera película.

Una renacimiento espectacular de un musical clásico, que cuenta con la ventaja sobre su modelo de una adaptación moderna y de primer nivel, por lo que tiene una mayor atracción y un ritmo más ágil en general. Grandes actores, fenomenales secuencias de baile y canto y canciones no sólo sobre el amor y la celebración de la vida, sino también sobre la discriminación y la violencia, que no han perdido su poder y relevancia incluso después de todos estos años. Es más, suenan al servicio de una gran película que iguala con audacia las cualidades de su predecesora, cuyo motivo del conflicto racial se desempolva como una cuestión social aún relevante hoy en día.

La película roe deliberadamente hasta los huesos su tema de la premonición de la muerte inminente (y las cosas que la acompañan), dando a su título la sensación de que en realidad es sólo una noticia, y muy austera por cierto. La película, narrada lentamente, apila diálogos repetitivos y planos narrativamente vacíos unos sobre otros, al tiempo que capta escenas intencionadamente medidas y expresivamente desnudas, con énfasis en la facticidad de los hechos, en planos cuidadosamente compuestos, renderizados en un formato de imagen vertical muy reducido. Destaca el motivo de lo mecánico, transmitido por el énfasis en la presencia de diversas máquinas (desde máquinas que mantienen con vida al hombre hasta una cafetera o un ascensor parlante), que en última instancia incluye a los dos personajes principales sentados junto a la cama del hospital del hombre que no reacciona, repitiendo como robots a intervalos regulares unas seis líneas diferentes. Además, la película intenta alcanzar cierta trascendencia espiritual y trascendental a través de diversos simbolismos de otro mundo y expresivos, pero lo hace sin ninguna sustancia discernible. A pesar de contar con la experiencia personal del director y con una dirección firme, el resultado de Saving One Who Was Dead es un concepto completamente carente de vida y puramente académico y artificial, que podría atraer a una cierta parte marginal del público del festival con su tambaleo al borde de la meditación contemplativa, pero para la inmensa mayoría de los espectadores será probablemente un espectáculo muy poco atractivo y desdentado, cuya sensación abrumadora será la de un aburrimiento abrumador.

Los protagonistas de la película, en cierto meta-nivel, se disculpan por ser el quinto Scream un mero reciclaje de esquemas y motivos que ya se han usado varias veces antes (que lo es), porque eso es lo que quieren los fans devotos. Y es posible que los fans del género, y especialmente los de esta franquicia en particular, queden realmente satisfechos. Sin embargo, una película tan aburrida, que sirve al público prácticamente lo mismo que sus predecesoras y no tiene necesidad de diferenciarse en nada, apenas se salva por el hecho de que sus creadores son conscientes de su insulsez y en ocasiones la señalan con humor. Del mismo modo, los protagonistas de la película pueden glosar sin cesar las diversas reglas del género de terror y todo tipo de errores que cometen los personajes de estas películas, pero de qué sirve eso si ellos mismos no pueden evitarlos. El juego de adivinanzas sobre qué personaje es el asesino aún consigue entretener hasta cierto punto, mientras las posibilidades se reducen gradualmente, pero por lo demás no consiguen atraer demasiado a los nuevos (y no especialmente simpáticos) personajes, ni el regreso de los ya conocidos de antes, ni los sangrientos (y poco imaginativos) asesinatos.

Nada en contra de la intención de reciclar una plantilla probada en un intento de crear otro blockbuster comercial después de Mujeres a la carrera, siempre y cuando el resultado sea un producto de calidad y entretenido (que no es el caso). Sin embargo, incluso esta vez, habrá espectadores que quedarán muy satisfechos y no les importará que la película se presente en términos de guion como un perezoso intento de éxito seguro, con unos diálogos rebosantes de ingenuidad, un humor hilarante que sólo aparece esporádicamente, y su trama romántica multigeneracional extremadamente predecible, insípidamente banal y emocionalmente poco gratificante. Los actores y los animales protagonistas merecen elogios por sus simpáticas interpretaciones, y la mayor parte de los aspectos artesanales de la película es bastante buena (salvo la repetitiva y machacona música), pero por lo demás Heart to Heart no hace más que aburrir con su simplicidad argumental (incluso primitivismo) y no contiene nada que pueda resultar muy interesante.