Musical - Géneros

Historia del cine musical

El término musical se utiliza para el género dramático que combina el diálogo de los personajes con su canto y, posiblemente, su baile, acompañados de música, por lo que los intérpretes de los musicales no sólo tenían que ser buenos actores y, potencialmente, bailarines, sino que también debían ser buenos cantantes. Por lo general, se considera que un musical es un musical teatral o un musical cinematográfico, que surgió con la llegada del cine sonoro. Los orígenes del musical están en las óperas, las operetas y los espectáculos de variedades, mientras que el musical cinematográfico se creó, por supuesto, siguiendo la estela del musical teatral, sin olvidar que algunos musicales cinematográficos son adaptaciones directas de musicales teatrales. La propia denominación de «musical» se basa en el término inglés «musical comedy», que en la primera mitad del siglo XX se refería a los espectáculos teatrales cómicos, cantados y a menudo sin trama. El musical suele estar entrelazado con el género de la comedia, pero cualquier otro género de ficción puede ser tratado en forma de musical. El musical tiene sus raíces en EE.UU., donde se encuentra el bulevar teatral de Broadway, que hizo célebres una serie de musicales teatrales que siguen estando entre los más famosos y populares.

El canto en los musicales suele sustituir a los diálogos y desarrollar así la trama y a los personajes, pero en algunos casos los números de canto y baile pueden desempeñar sólo el papel de relleno. La especificidad del musical es la mezcla de la realidad y la fantasía, es decir, el mundo real con el mundo ficticio, ilusorio, del sueño. Al realizar estos mundos, muchos escenógrafos, directores, coreógrafos de baile y directores de fotografía pudieron dar rienda suelta a su imaginación y creatividad, haciendo de los musicales el ámbito más atractivo y creativo del cine comercial de Hollywood durante muchas décadas. Todos los grandes estudios de cine estadounidenses tenían sus estrellas y compositores musicales y desarrollaban su propio estilo distintivo para el género musical. La música de los musicales se vio entonces influenciada por la alternancia de diferentes géneros musicales a lo largo de las décadas, dominando primero el jazz y la música clásica, luego el rock'n'roll y el rock, y finalmente el pop.

Los primeros musicales de cine

En las primeras películas sonoras (véase, por ejemplo, Don Juan, de 1926), la pista de audio con música y sonidos esporádicos se reproducía por separado, simultáneamente con la película (y había una tendencia a acompañar la película con una orquesta en vivo). El primer largometraje sonoro en el que la pista de audio ya formaba parte de la propia película fue El cantor de jazz (1927), pero sólo tenía sonido sincronizado de este tipo en algunas partes y sólo contenía unas pocas líneas de diálogo. Sin embargo, fue la primera película de la historia en la que el público podía oír a los actores hablar directamente desde la pantalla. Al mismo tiempo, fue el primer musical, con un total de seis canciones. El gran éxito fue la película El loco cantor (1928), sobre las vicisitudes de un cantante que se hace pasar por negro, tras lo cual los cines empezaron a instalar sistemas de sonido en sus auditorios y los cineastas comenzaron a contratar a compositores de Broadway para que escribieran canciones para las películas.

La primera película que no contenía intertítulos y era totalmente hablada fue el drama criminal Lights of New York (1928), que contenía un pasaje musical ambientado en un club nocturno. La melodía de Broadway (1929), que ofrecía baile además de canto, fue galardonada con un premio Óscar (en la segunda entrega de los Óscars de la historia), tras lo cual todos los grandes estudios de Hollywood se volcaron en los musicales, arrinconando así al cine mudo. Además, el éxito de La melodía de Broadway, que creó la base del llamado musical «backstage» ambientado entre los bastidores de una producción teatral musical en curso, dio lugar a numerosas secuelas temáticas rodadas entre 1935 y 1940. Algunos musicales, en cambio, prefirieron la estrategia de omitir el argumento y sustituirlo por una serie inconexa de números musicales (véase, por ejemplo, Hollywood Revue de 1929).

 

Exceso de oferta en el mercado en la década de 1930

El canto del desierto, un musical narrativo, se estrenó en 1929, al igual que el mayor éxito de taquilla de su época, Las castigadoras de Broadway. En aquella época, fueron rodados muchísimos musicales en Estados Unidos; entre los más famosos de finales de los años veinte y principios de los treinta se encuentran Sally (1929), Show Boat (1929), Bright Lights (1930), Tantas veo... (1930), El rey del Jazz (1930) y Kiss Me Again (1931). En 1930 se hicieron más de cien musicales en Hollywood, lo que rápidamente causó un exceso de mercado, de modo que en 1931 se hicieron siete veces menos musicales. Sin embargo, a partir de 1933, los musicales volvieron a ponerse de moda gracias a la llegada de elaboradas coreografías de baile. En 1933 fueron populares, por ejemplo, los musicales La calle 42, Vampiresas 1933 y Desfile de candilejas, cuyos creativos números de baile coreografiados por Busby Berkeley superaban todo lo que se podía ver en el teatro en aquella época.

Además, a finales de los años veinte y principios de los treinta, empezaron a llegar a Estados Unidos inmigrantes procedentes de Europa, algunos de los cuales encontraron un hogar en Hollywood e introdujeron parcialmente su visión europea en películas y musicales, influenciados por las óperas y operetas de sus países de origen. Para ellos, Estados Unidos no era un escenario lo suficientemente elegante para un musical, así que lo ambientaban en París o Viena, por ejemplo: el director de origen alemán Ernst Lubitsch rodó las películas El desfile del amor (1929), Monte Carlo (1930), El teniente seductor (1931), Una hora contigo (1932) y La viuda alegre (1934), en las que le gustaba contar con las estrellas de musical Maurice Chevalier y Jeanette MacDonald. Y, para variar, el director de origen ruso Rouben Mamoulian hizo el musical Ámame esta noche (1932) en Estados Unidos. En cualquier caso, la forma de los musicales estadounidenses de la época estaba muy influenciada por el compositor George Gershwin, el compositor y letrista de musicales Cole Porter o el autor de musicales de Broadway Richard Rodgers.

 

Fred Astaire y Ginger Rogers

En 1933, fue estrenado el musical Alma de bailarina, en el que debutó el actor, bailarín, cantante y coreógrafo Fred Astaire, que más tarde formó un dúo de baile con la actriz, cantante y bailarina Ginger Rogers, con quien ese mismo año actuó en el musical Volando hacia Río de Janeiro. Juntos protagonizaron ocho musicales más durante los seis años siguientes, convirtiéndose en estrellas de Hollywood de la década de 1930. Fred Astaire había actuado anteriormente en Broadway y gracias a su elegancia y profesionalidad de movimientos llegó a ser el bailarín de cine más solicitado y quien más tarde también disfrutó de una exitosa carrera como actor. Lo mismo ocurrió con Ginger Rogers, que puso fin a su carrera en los musicales junto a Astaire en 1939 con La historia de Irene Castle, tras lo cual emprendió una carrera en solitario como actriz de carácter (y ya en 1940 ganó un Óscar).

De sus musicales juntos, los más destacados fueron el coreográficamente imaginativo Sombrero de copa (1935), en el que los dos protagonistas se conocieron porque perturbaron la paz de la noche mientras bailaban claqué, y En alas de la danza (1936), sobre un bailarín de cabaret culpable que se disculpó con una profesora de baile inscribiéndose en sus clases. La mayoría de estos musicales eran básicamente simples comedias con tramas ambientadas en entornos urbanos, basadas en todo tipo de errores y malentendidos. En La alegre divorciada (1934), el protagonista se vio envuelto sin querer en el plan de una mujer que intentaba convencer a su marido de la necesidad del divorcio, en Ritmo loco (1937), la pareja de bailarines tuvo que casarse de mentira para evitar que se difundieran informaciones falsas en los medios de comunicación, y en Amanda (1938), una serie de pequeñas equivocaciones hicieron que la prometida del protagonista se enamorara de su mejor amigo.

Fred Astaire protagonizó después otros musicales, pero con diferentes parejas de baile. Por ejemplo, en las películas Desde aquel beso (1941) y Bailando nace el amor (1942), apareció junto a la actriz y bailarina Rita Hayworth, que luego actuó en los musicales Mi chica favorita (1942) y Las modelos (1944), entre otros. La última colaboración actoral de Astaire con Ginger Rogers fue el musical Vuelve a mí (1949), en el que ambos se reunieron diez años después de su separación. En esta película, Fred Astaire interpretaba a un bailarín profesional, y Ginger Rogers a su esposa, que anhelaba dejar la escena del baile para dedicarse a la actuación dramática; la película, por tanto, reflejaba esencialmente la tensión creativa que existía entre los dos actores en la vida real.

 

Judy Garland y Gene Kelly

Con el paso de los años, el musical El mago de Oz (1939) se convirtió en el clásico inmortal, en el que el personaje de la adolescente Dorothy, que se encontró en un país de fantasía y, para volver a casa, emprendió un viaje a la Ciudad Esmeralda en compañía de los personajes del León, el Hombre de Hojalata y el Espantapájaros, fue interpretado por la joven actriz y cantante Judy Garland. Ella firmó un contrato de actuación con el estudio MGM a los trece años y desde entonces apareció en más de dos docenas de películas de este estudio (a menudo como pareja del actor Mickey Rooney), muchas de las cuales eran también musicales. El mago de Oz no fue su primer musical, pero el primero de verdadero éxito. El siguiente gran éxito de Judy llegó con la película Cita en St. Louis (1944), rodada por su futuro marido Vincente Minnelli.

En Desfile de Pascua (1948), Judy Garland protagonizó, junto a Fred Astaire y otras celebridades, las dos últimas películas de la trilogía musical repleta de estrellas El gran Ziegfeld (1936), Las chicas de Ziegfeld (1941) y El gran Ziegfeld (1946), realizada en honor del director artístico de Broadway Florenz Ziegfeld. Entre sus otras películas musicales, cabe destacar la comedia Loco por las chicas (1943) o el wéstern Las chicas de Harvey (1946), en el que Judy interpretó a una ingenua muchacha que llegó a Arizona por las cartas que la invitaban a contraer matrimonio. En 1950, MGM rescindió el contrato de Judy por sus problemas personales, pero ella tuvo un regreso triunfal tras un paréntesis de varios años en el papel principal del musical Ha nacido una estrella (1954), un remake del drama homónimo de 1937, que le valió a Judy una nominación al Globo de Oro y al Oscar.

En El gran Ziegfeld también actuó el actor, bailarín y cantante Gene Kelly, que, aparte de Mickey Rooney, fue la pareja de reparto más frecuente de Judy Garland, con quien apareció, por ejemplo, en el musical de aventuras El pirata (1948) o en la película Repertorio de verano (1950). En esta película, Judy interpretó a una granjera comprometida en cuyo granero, a instancias de su enamorada hermana, un equipo encabezado por el director, interpretado por Gene Kelly, empezó a preparar el rodaje de una nueva película. En el musical Un americano en París (1951) de Vincente Minnelli, Kelly interpretó a un pintor enamorado de una joven francesa comprometida con un cantante de cabaret. Además, Kelly fue también un influyente y creativo director de cine que enriqueció las secuencias de baile de los musicales con experimentos de cámara lenta, fotografía trucada y animación. En su debut en 1949 titulado Un día en Nueva York, contrató a Frank Sinatra, con quien coprotagonizó el musical Llévame a ver el partido ese mismo año. Sin embargo, su mayor éxito fue la película Cantando bajo la lluvia (1952), una divertida sátira romántica de Hollywood en la época de la llegada del cine sonoro y que sigue considerándose uno de los mejores musicales cinematográficos de todos los tiempos.

 

Los musicales soviéticos de los años 30 y 40

Los musicales producidos en la Unión Soviética eran principalmente una herramienta de propaganda, pero se rodaban de tal manera que podían competir en términos de entretenimiento y variedad con las películas musicales de Estados Unidos, que ya en los años 20 eran mucho más populares en la Unión Soviética que las películas nacionales serias producidas en esa época. En los años 30, el director Grigoriy Aleksandrov rodó varios musicales en la Unión Soviética, y su película Los alegres muchachos (1934), inspirada en los modelos de Hollywood, de hecho fue el primer musical soviético. Le siguieron El circo (1936) y, sobre todo, Volga, Volga (1938), que se hizo enormemente popular en su época (incluso fue la película más popular de Stalin), aunque cumplía los parámetros requeridos del realismo socialista sólo en cuanto a la estética, pero no en cuanto a los valores ideológicos.

Los autores de los musicales soviéticos se vieron obligados a construir sus películas en torno a argumentos banales y a hacer hincapié en temas que celebraban el progreso industrial y la clase obrera. Normalmente, la trama giraba en torno a la historia de un individuo pobre que, mediante el trabajo duro, lograba una vida mejor y más rica. Las películas de Ivan Pyrev, como Tractor Drivers (1939), They Met in Moscow (1941) y Cossacks of the Kuban (1949), trataban del entorno de agricultores trabajadores. En la década de 1940, Grigoriy Aleksandrov rodó los musicales Tanya (1940) y Spring (1947), en los que, como en la mayoría de sus películas anteriores, contó con la actriz Lyubov Orlova, que era la mayor estrella del cine soviético de la época. Lo notable es que muchos musicales soviéticos de la época del realismo socialista se basaban en una atmósfera optimista de alegría y abundancia, mientras que las condiciones reales del país en aquella época eran exactamente lo contrario.

 

El auge de las adaptaciones teatrales estadounidenses en los años 50

Las adaptaciones de los musicales de teatro se rodaron poco después de la creación del propio cine musical, pero por lo general se parecían muy poco a su modelo de teatro y rara vez alcanzaban el mismo éxito. Las adaptaciones cinematográficas más fieles empezaron a aparecer en la década de 1950, con películas como Melodías de Broadway 1955 (1953), que volvía al motivo de las bambalinas teatrales, y Ellos y ellas (1955), protagonizada por Frank Sinatra y Marlon Brando como jugadores de azar. Muy populares y exitosas fueron las películas basadas en los musicales de teatro del compositor Richard Rodgers y el letrista Oscar Hammerstein. En sus musicales de teatro se basó la película musical Oklahoma (1955), sobre dos historias de amor ambientadas en los primeros años de la década de 1920, el musical biográfico El rey y yo (1956), ganador de cinco premios Óscar, sobre el monarca siamés Mongkut, interpretado por el actor Yul Brynner, Carrusel (1956), que trata el tema de la vida después de la muerte, y Al sur del Pacífico (1958), un romance musical bélico ambientado en la Guerra del Pacífico.

Sin embargo, el número de musicales originales escritos específicamente para la gran pantalla disminuyó significativamente en la década de 1950, mientras que la industria cinematográfica también comenzó a competir con la televisión. A la categoría de musicales no teatrales pertenece, por ejemplo, Gigi (1958), de Vincente Minnelli, basada en una novela, y fue este musical que fue galardonado con nueve premios Óscar. El musical Siete novias para siete hermanos (1954) se basó en una novela corta y la película Doris Day en el Oeste (1953) se inspiró en Juana Calamidad, el personaje del Salvaje Oeste. La película Navidades blancas (1954) utilizó muchas canciones del compositor Irving Berlin, mientras que el musical Una cara con ángel (1957), protagonizado por Audrey Hepburn y Fred Astaire, se basó en la música y las letras de los hermanos Gershwin. Otto Preminger dirigió los musicales Carmen Jones (1954) y Porgy y Bess (1959) protagonizados por la actriz Dorothy Dandridge, mientras que Howard Hawks contrató a Marilyn Monroe para su comedia musical Los caballeros las prefieren rubias (1953).

 

La década de 1960 y el fin de la edad de oro de los musicales

El periodo que va de los años 40 a los 60 se conoce generalmente como la edad de oro del cine musical, pero los musicales más famosos y conocidos se rodaron, con algunas excepciones, en la tercera década de esta era. Diez premios Óscar recibió el musical de Robert Wise y Jerome Robbins West Side Story (1961), basado en la tragedia de Shakespeare Romeo y Julieta, pero ambientado en el Nueva York moderno y que sustituyó los conflictos entre familias rivales por conflictos entre descendientes de inmigrantes estadounidenses y bandas formadas por nuevos inmigrantes. El musical My Fair Lady (1964), dirigido por George Cukor y protagonizado por Audrey Hepburn en el papel de una florista con un lenguaje vulgar que se convierte en objeto de una apuesta sobre si una mujer callejera puede ser entrenada en la etiqueta lo suficientemente bien como para encajar en la élite social en un plazo de seis meses, ganó ocho Óscars. El musical de cuento de hadas producido por Walt Disney y protagonizado por Julie Andrews como la encantadora niñera Mary Poppins (1964), que combinaba actores vivos con animación bidimensional, ganó cinco premios Óscar de sus 13 nominaciones. Cinco Óscars fueron para el musical Sonrisas y lágrimas (1965), dirigido por Robert Wise y rodado en Austria y Alemania, protagonizado de nuevo por Julie Andrews, esta vez como una novicia que, tras dejar el convento, se convierte en institutriz de la familia de un capitán de barco viudo, interpretado por Christopher Plummer.

Todas estas películas tuvieron un gran éxito de crítica y premios cinematográficos, así como de asistencia de público, lo que naturalmente provocó un nuevo auge de los musicales. Con Julie Andrews fueron rodados musicales posteriores a 1965, Millie, una chica moderna (1967) y Star! (1968), Francis Ford Coppola rodó El valle del arco iris (1968) con Fred Astaire, y el director William Wyler contrató a Barbra Streisand para su musical biográfico Funny Girl (Una chica divertida) (1968). Sin embargo, también se produjeron muchos musicales sin éxito, lo que empezó a mostrar el decreciente interés del público por el género. En los años sesenta, la llegada del rock'n'roll y de las películas musicales, protagonizadas por el famoso Elvis Presley, que producía una película tras otra tras su regreso del servicio militar en 1960, contribuyó al cambio del gusto del público.

Le fue mal, entre otras, al musical artúrico Camelot (1967), a la película familiar El extravagante doctor Dolittle (1967), a la nostálgica Adiós, Mr. Chips (1969), al wéstern La leyenda de la ciudad sin nombre (1969), a la comedia Vuelve a mi lado (1970) y a la de aventuras El hombre de La Mancha (1972). Sin embargo, el género musical clásico empezó a pasar a un segundo plano después de que el musical nominado a siete Oscars Hello Dolly! protagonizado por Barbra Streisand fracasara económicamente en 1969. Sin embargo, algunas de estas películas recibieron el reconocimiento o una respuesta más cálida del público muchos años después.

 

Los musicales europeos de los años 60 y 70

Aunque el director y guionista francés Jacques Demy concibió su película Las señoritas de Rochefort (1967) como un homenaje a los musicales del estudio MGM (y contó con la participación de Gene Kelly), y varios musicales de estilo americano aparecieron en la Unión Soviética, en general la tradición musical de Hollywood tuvo poca influencia en las películas realizadas fuera de Estados Unidos. Otros musicales de Demy, como Los paraguas de Cherburgo (1964) o Piel de asno (1970), eran ya típicamente franceses, y en otros países europeos el género musical se desarrolló más bien a partir de las tradiciones domésticas, y sólo a escala muy limitada. En el Reino Unido, el género musical no empezó a tener un impacto significativo hasta la década de 1960, cuando tuvieron muchísimo éxito las comedias musicales ¡Qué noche la de aquel día! (1964) y Help! (1965), en las que actuaron los miembros de los Beatles. Después fueron rodadas, entre otras, la adaptación musical de «Oliver Twist», ganadora de un Óscar y dirigida por Carol Reed, titulada Oliver (1968) o la película de gánsteres con actores infantiles Bugsy Malone, nieto de Al Capone (1976). En los años siguientes, el Reino Unido alcanzó a Estados Unidos en cuanto a la producción de películas musicales.

El musical The Csárdás Queen (1971), basado en la famosa opereta húngara homónima, fue coproducido por Hungría, Alemania y Austria, y un año después se rodó en Hungría el musical de guerra Red Psalm (1972). En Italia, el musical La superjuerga (1969) se inspiró en el tema bélico, mientras que el musical Rita en el West (1967) era más bien un wéstern. Checoslovaquia produjo musicales clásicos como Green Gold (1964) y A Night at Karstein (1973), la parodia musical de los wésterns Lemonade Joe or Horse Opera (1964) y la película de variedades If a Thousand Clarinets (1964), cuyo reparto estaba compuesto por las estrellas de la escena musical checoslovaca de la época. Desde los años 30, España tiene una tradición de películas musicales, a menudo inspiradas en las zarzuelas. De películas como Morena Clara (1936) o El barbero de Sevilla (1938) se pasó a los musicales, que gozaron de gran popularidad en España hasta finales de los años setenta (véase Escucha mi canción de 1959 o Canción de juventud de 1962). Más tarde, el director español Carlos Saura rodó varias películas musicales (por ejemplo, Bodas de sangre en 1981 y Carmen en 1983).

 

El renacimiento del musical americano en los años 70

El cambio de los años 60 y 70 demostró claramente que la forma de los musicales de la época dorada de Hollywood estaba anticuada y que se necesitaba algo nuevo. Por ello, los autores de los musicales nuevos se deshicieron de toda la ostentación y la teatralidad y decidieron hacerlos más realistas o romper con la realidad y experimentar con temas cinematográficos. El segundo camino mencionado lo tomó el extravagante musical de rock The Rocky Horror Picture Show (1975), hecho como una parodia de las antiguas películas de ciencia ficción y de terror de serie B. Esta película, llena de ideas extrañas y sofisticadas referencias a la cultura pop, sobre una joven pareja de recién casados que se pierden en la carretera bajo una lluvia torrencial y luego aparecen en un encuentro de los habitantes del planeta Transexual de la galaxia Transilvania, fue un fracaso durante su estreno, pero cuando la pasaron para las proyecciones de medianoche, se convirtió en un asunto de culto en torno al cual se fue creando una gran base de fans a lo largo de los años. En la actualidad, la película sigue poniéndose en algunos cines de Estados Unidos, y el público acompaña la proyección con una serie de rituales creados artificialmente.

Jesucristo superstar (1973), un musical escrito por el compositor Andrew Lloyd Webber, que concibió la historia de la crucifixión de Jesucristo como una ópera rock, también causó revuelo. También hubo varios musicales de fantasía, como Un mundo de fantasía (1971), que contaba la historia de una excursión en una loca fábrica de chocolate, y La bruja novata (1971), que combinaba actores vivos con animación bidimensional a lo de Mary Poppins. La película 1776 (1972) fue un intento de crear un musical a partir de la historia de la redacción de la Declaración de Independencia de los Estados Unidos de América, mientras que El fantasma del Paraíso (1974), dirigida por Brian De Palma, combinaba un musical con una comedia de terror en la historia de un compositor que entregó su alma al diablo. Y la película El mago (1978), protagonizada por Michael Jackson y Diana Ross, ambienta El Mago de Oz en Harlem, Nueva York. Las películas como El violinista en el tejado (1971), sobre un lechero judío que intenta casar a sus hijas, o Cabaret (1972), de Bob Fosse, ganadora de ocho Óscars, sobre la relación amorosa de varios personajes con el telón de fondo del fascismo emergente en el Berlín de los años treinta, se convirtieron en los pocos islotes de seriedad formal en el género del musical tradicional, aprovechando lo mejor de las décadas anteriores.

Grease (Brillantina) (1978), protagonizada por John Travolta y Olivia Newton-John, fue un gran éxito, que regresaba con nostalgia a los años 50, y sus canciones se hicieron populares con el paso del tiempo debido a su prolongada popularidad. También era popular hacer películas sobre las estrellas del mundo del espectáculo musical, cuya trama realista se intercalaba con números musicales. Sería el caso de la película El ocaso de una estrella (1972) sobre la cantante de jazz Billie Holiday, la secuela de Funny Girl titulada Funny Lady (1975), el musical en parte autobiográfico All That Jazz (Empieza el espectáculo) (1979) dirigido por Bob Fosse, o la película de posguerra New York, New York (1977) de Martin Scorsese, sobre la complicada relación amorosa entre un saxofonista de jazz y una cantante de pop interpretados por Robert De Niro y Liza Minnelli. El musical Hair (1979), dirigido por Miloš Forman, reflejaba los temas políticos de la guerra de Vietnam y el movimiento hippie.

 

El fin del milenio y el declive de los musicales

En la década de 1980, la creación de muchos musicales de cine se vio favorecida por la popularidad de los musicales de teatro en Broadway y en el West End londinense, pero, por lo demás, el género se estancó e iba desapareciendo hasta el final del milenio. John Landis rodó Granujas a todo ritmo (1980), un musical sobre dos ex convictos con persecuciones de coches llenas de acción; el director Blake Edwards escribió ¿Víctor o Victoria? (1982) para su entonces esposa y antigua estrella de musicales Julie Andrews; y el director Alan Parker construyó de forma innovadora la trama de Pink Floyd: The Wall (El muro) (1982) en torno a las canciones de la banda de rock Pink Floyd. La tienda de los horrores (1986), de Frank Oz, un imaginativo musical de humor negro sobre una flor devoradora de carne, basado en el musical de teatro homónimo inspirado en una comedia de terror no musical de 1960, también destacó por su espectacular final alternativo y sigue siendo un éxito de culto hasta hoy. El musical británico El sentido de la vida se percibe de una manera similar, tratándose de más o menos una secuencia de sketches absurdos y canciones ingeniosas del famoso grupo de comedia Monty Python. Otros musicales dignos de mención son Footloose (1984) y A Chorus Line (1985).

El final de los años 80 y toda la década de 1990 no representaron un periodo especialmente fructífero en cuanto a musicales, pero hubo algunas excepciones. En el cambio de ambas décadas, varios musicales animados de Disney (véase más adelante) y también de otros estudios, como La princesa del cisne (1994), Anastasia (1997) y El príncipe de Egipto (1998), fueron recibidos con gran éxito. Pero el éxito de los musicales animados no terminó ahí: por mucho tiempo fue alabada la película de marionetas Pesadilla antes de Navidad (1993), dirigida por Henry Selick y coescrita por Tim Burton, y también la polémica película satírica South Park: Más grande, más largo y sin cortes (1999), que seguía la serie animada de los creadores del disparatado musical interpretado por actores Musical canibal (1993). De los otros largometrajes musicales de la década de 1990 sobresalieron claramente por encima del resto de la competencia la adaptación del musical Evita (1996), de Andrew Lloyd Webber, en la que la cantante Madonna interpretó el papel principal de la esposa del presidente argentino Juan Perón, dirigida por Alan Parker, y Todos dicen I love you (1996), de Woody Allen.

 

La edad de oro de los musicales de Disney

A finales de la década de 1980 y principios de la de 1990 se produjo el rotundo éxito de varios musicales de animación de Disney, que en ese momento estaba disfrutando de un renacimiento y vuelta a la cima después de muchos fracasos y decepciones. El estudio Disney lleva haciendo musicales de animación desde los años 40, cuando se estrenaron Dumbo (1941) y Tiempos de melodía (1948), entre otros. Desde entonces, Disney produjo muchos otros musicales animados (por ejemplo, La dama y el vagabundo, de 1955, o El libro de la selva, de 1967), así como musicales de acción real (Los hijos del capitán Grant, de 1962), o incluso combinando la acción real y la animación (Canción del sur, de 1946, Pedro y el dragón Elliot, de 1977, o la mencionada Mary Poppins). La sirenita (1989) se convirtió en un gran éxito, seguido de La bella y la bestia (1991, primera película de animación nominada al premio Óscar en la categoría de Mejor Película), Aladdin (1992) y El rey león (1994), que batió récords de taquilla tres veces seguidas.

La clave en este sentido fue la colaboración de Disney con el compositor Alan Menken, que también estuvo detrás de La tienda de los horrores, y cuya primera obra de este tipo fue justamente La sirenita y luego las demás películas ya mencionadas. Desde entonces, Alan Menken colaboró con varios letristas en muchas otras películas musicales de animación de Disney, como Pocahontas (1995), El jorobado de Notre Dame (1996), Hércules (1997) y Enredados (2010). Las películas Mulán (1998), Tiana y el sapo (2009), Frozen, el reino del hielo (2013) y Vaiana (2016) también son musicales. Entre los musicales de acción real más recientes producidos por Disney, destacan la serie High School Musical (2006-2008), Los Muppets (2011), Into the Woods (2014) y las versiones de acción real de La bella y la bestia (2017) y Aladdin (2019), mientras que entre los que combinan acción real y animación encontraríamos Encantada: La historia de Giselle (2007) y El regreso de Mary Poppins (2018).

 

Los musicales de Bollywood a través de los tiempos

El cine indio ha tomado su propio camino desde sus inicios. La industria cinematográfica de Bombay, llamada Bollywood, ha sido durante mucho tiempo más productiva que cualquier otro sistema de estudios del mundo en cuanto al número de películas realizadas anualmente, y el género mayoritario de Bollywood ha sido siempre el musical. Los primeros musicales cinematográficos indios se basaban en las tradiciones del teatro indio y en el formato de las primeras películas sonoras estadounidenses. El primer largometraje sonoro indio fue The Light of the World (1931), inspirado en la colección de cuentos de hadas «Las mil y una noches». Varios de los musicales más famosos fueron rodados entre los años 40 y 60, lo que se considera la edad de oro del cine indio. Películas como Woman (1940) y su remake nominado al premio Óscar Madre India (1957), El vagabundo (1951), El señor 420 (1955) y Eternal Thirst (1957) se encuentran entre las producciones más apreciadas de la época.

Hasta los años 70, el cine musical indio estaba dominado por las películas románticas manieristas y las películas sobre la vida de la clase trabajadora. Entonces Bollywood desarrolló la llamada película masala, que combinaba varios géneros y definió la dirección que ha tomado el cine en la India desde entonces. En este sentido, la película crucial fue Amar Akbar Anthony (1977), al contar la historia de tres hermanos que fueron separados cuando eran niños y que sólo se reunieron muchos años después como seguidores de tres religiones diferentes. La película Zanjeer (1973) combinaba el musical con una trama criminal ambientada en los bajos fondos de la India, mientras que el musical del oeste Flames of the Sun (1975) se inspiró en las películas estadounidenses ambientadas en el Salvaje Oeste. Por ejemplo, la película Laawaris (1981), sobre un hombre que intenta averiguar la identidad de sus padres, que lo abandonaron cuando era niño, trabajó con una gran cantidad de géneros.

La segunda mitad de la década de 1980 marcó el declive de la producción cinematográfica y musical india debido al cansancio del público con las películas de acción violenta, que sólo se remedió con Qayamat Se Qayamat Tak (1988), que logró presentar en el cine de nuevo el tema romántico del amor entre dos jóvenes. La fase posterior de desarrollo del cine indio en la década de 1990, denominada «Nuevo Bollywood», retomó así el motivo romántico (en películas como Moonlight, de 1989, Raja Hindustani, de 1996 y Dil To Pagal Hai, de 1997). Tras el cambio de milenio, el musical Lagaan: Érase una vez en la India (2001), fue un éxito internacional, nominado al Óscar, que combina la historia nacional con el romance y un tema deportivo. En los años siguientes también triunfaron, entre otros, los musicales indios A Match Made by God (2008) y This Youth Is Crazy (2013).

 

El reinicio de los musicales estadounidenses después del año 2000

Junto con la película Moulin Rouge (2001), dirigida por Baz Luhrmann, se logró reavivar el interés del público por los musicales. Este drama romántico posmoderno y estilizado, inspirado en varias óperas y con fragmentos de canciones famosas de décadas pasadas, fue nominado a ocho premios de la Academia, recibió críticas entusiastas y se convirtió en uno de los musicales más célebres de la historia gracias a su notable diversidad audiovisual y su sofisticada realización. Le siguió otro musical exitoso titulado Chicago (2002), de Rob Marshall, que ganó seis premios Óscar de sus trece nominaciones, protagonizado por Renée Zellweger, Catherine Zeta-Jones y Richard Gere, y que contaba la historia de dos cantantes de cabaret asesinos que fueron convertidos en estrellas mediáticas por su abogado.

Basándose en el famoso musical de Andrew Lloyd Webber, el director Joel Schumacher rodó El fantasma de la ópera en 2004, que cuenta la clásica historia de un genio musical desfigurado que habitaba en las catacumbas del teatro. En 2007, Adam Shankman dirigió la divertidísima comedia musical Hairspray y Tim Burton el oscuro y tenebroso musical Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet. Desgraciadamente, Rob Marshall no logró repetir el éxito de Chicago con Nine (2009) a pesar de sus cuatro nominaciones al Óscar, mientras que la alabada adaptación del musical francés Los miserables (2012) de Tom Hooper, nominada a ocho Premios de la Academia, ganó tres Óscars.

Con seis Óscars de sus trece nominaciones fue galardonado el exitoso musical romántico La ciudad de las estrellas (La La Land) (2016), en el que una pareja de enamorados interpretada por Emma Stone y Ryan Gosling se enfrentaba a sueños ambiciosos y a duras realidades, y que su director Damien Chazelle concibió como un homenaje a los musicales de la época clásica de Hollywood. El musical El gran showman (2017), en el que Hugh Jackman interpretó al personaje inspirado en un director de circo de la vida real, también fue un éxito de público. Por otro lado, el musical Cats (2019), basado en el musical de teatro de Andrew Lloyd Webber, fue un enorme fracaso, y solo fue recibido con burlas y mofas.

 

El boom de las películas musicales biográficas

Además de otros musicales, después del año 2000 se hicieron varias películas basadas en canciones de grupos musicales famosos. La película Across the Universe (2007) giraba enteramente en torno a los éxitos de los Beatles, el musical Mamma Mia! (2008) estaba compuesto por canciones de ABBA y Amanece en Edimburgo (2013), para variar, utilizó muchas canciones del dúo escocés The Proclaimers. En realidad, sin embargo, se rodaron muchas más películas musicales biográficas, es decir, sobre la vida de cantantes famosos. La película 8 millas (2002) se basó en la vida del rapero Eminem, Ray (2004) se centró en la carrera musical de Ray Charles y En la cuerda floja (2005) contó la historia de Johnny Cash.

La historia del grupo musical The Supremes inspiró el musical Dreamgirls (2006), mientras que la carrera de Édith Piaf, una cantante francesa muy famosa, fue recapitulada en La vida en Rosa (2007). La película Notorious (2009) trataba sobre el ascenso y la trágica muerte a tiros del rapero Christopher Wallace alias Biggie Smalls, el drama Jersey Boys (2014) sobre los miembros de la banda The Four Seasons y I Feel Good: La historia de James Brown (2014) sobre el cantante que se hizo famoso por la canción «I Feel Good». El drama musical Straight Outta Compton (2015) se dedicó a la historia del grupo de rap N.W.A, la exitosa Bohemian Rhapsody (2018) se centró en la etapa de Freddie Mercury en Queen, y el biopic Rocketman (2019) era sobre de Elton John.

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