Animación - Géneros

El origen de la animación y del cine de animación

El término animación se refiere a un proceso que crea la apariencia de movimiento en las cosas. Se trata de un procedimiento mecánico en el que observamos una secuencia de imágenes estáticas, pero ligeramente diferentes, proyectadas en rápida sucesión, mientras la inercia del ojo humano da la impresión de un movimiento suave. La animación es también la base del cine como tal, que utiliza el mismo efecto: los fotogramas individuales se reproducen a una velocidad que el ojo humano ya no puede percibir y, como resultado, se percibe toda la secuencia como una imagen continua en movimiento.

El cine de animación es un tipo de película que se realiza tomando fotogramas individuales, que a menudo se apilan para crear el efecto de animación. Al principio, las películas de animación se creaban con dibujos a mano o marionetas, pero hoy en día la animación por ordenador domina este género. El género del cine de animación describe principalmente un método de creación diferente al de los largometrajes normales, por lo que las películas de animación pueden pertenecer a cualquier otro género, a menudo cuentos de hadas y fábulas o películas de aventuras y fantasía, pero las películas de animación también pueden ser dramas, películas de ciencia ficción, comedias y musicales.

Un gran avance en el mundo de la animación fue la invención del estroboscopio en 1832, que creaba la ilusión de movimiento cuando se veía a través de una sección estrecha de una serie de imágenes en rotación. Igualmente revolucionario fue el praxinoscopio, introducido en 1882, que permitió por primera vez proyectar imágenes en movimiento sobre una pantalla. Fue el precursor del quinetoscopio, un dispositivo para ver imágenes en movimiento, patentado por Thomas Edison, y del cinematógrafo, inventado por los hermanos Lumière en 1895, que dieron origen a la cinematografía como tal. Hasta entonces, la animación se utilizaba como una especie de atracción, empleada con fines publicitarios y para la producción de juguetes ópticos. Tras la invención del largometraje, se descuidó hasta 1908, cuando el estadounidense J. Stuart Blackton inventó la técnica de la animación en volumen («stop motion»), es decir, la animación creada a partir de una serie de imágenes fotográficas.

Los inicios de la animación americana

Ya antes de la Primera Guerra Mundial se habían desarrollado en Estados Unidos varias tecnologías avanzadas, como la impresión mecánica de dibujos de fondo, gracias a la cual no había que volver a dibujar el fondo cada vez, o la idea de dibujar figuras en movimiento sobre celuloide transparente (el llamado ultrafan), que también facilitaba enormemente el trabajo con un fondo inalterable. El auge de la animación llegó entonces en la posguerra, cuando el sector cinematográfico empezó a convertirse en una industria, las disciplinas individuales se especializaron y la división del trabajo permitió hacer películas de forma más rápida y económica. También empezaron a surgir los primeros estudios de producción de dibujos animados. En aquella época, los cineastas eran productores independientes que vendían los derechos de sus películas a los distribuidores, que los incluían en una serie de cortometrajes que se proyectaban en los cines antes del programa principal. El hundimiento del Lusitania (1918), de Winsor McCay (creador del dinosaurio Gertie), se considera la primera película de animación que superó la duración de todos los cortos de animación producidos hasta entonces.

Las películas de animación se realizaban con diversas técnicas, pero la introducción de la tecnología de la rotoscopia, que permitía utilizar la película con actores reales para redibujar el contorno de un personaje, fotograma a fotograma, fue esencial. Esto permitió capturar a los personajes de la película con un movimiento mucho más natural que antes. El creador de este método, Max Fleischer, lo aplicó en su serie de cortometrajes animados titulada Out of the Inkwell, en la que aparecía el payaso Koko y que tuvo éxito durante toda la década de 1920. En la década de 1930, el cineasta ideó los personajes Popeye el Marino y Betty Boop, junto con su hermano Dave.

 

Los primeros éxitos de Walt Disney y Warner Bros.

A partir de 1919, el joven Walt Disney intentó triunfar en Estados Unidos, pero su periplo por varias agencias de cortometrajes de animación sin éxito no dio sus frutos hasta que él y su hermano Roy fundaron el estudio Disney Brothers Studio, donde juntos crearon series de animación para las distribuidoras Warner Bros. y MGM. Sin embargo, como no tenían los derechos de los personajes animados (que incluían al conejo Oswald), Walt Disney inventó su propio personaje: Mickey Mouse. Las dos primeras películas de Mickey no tuvieron éxito, pero entonces llegó la invención de la película sonora, y la tercera película protagonizada por Mickey Mouse pudo ser una película sonora. Se llamaba El botero Willie (1928) y supuso un gran avance para Disney, que la impulsó a la vanguardia del mundo de la animación cinematográfica. La serie del gato Félix (Félix the Cat), visualmente imaginativa y juguetona, también tuvo éxito en la década de 1920, pero no sobrevivió a la llegada del cine sonoro, como tampoco lo hicieron la mayoría de los demás personajes animados de la época muda.

En la década de 1930, las series cortas de animación se convirtieron en una parte habitual de la mayoría de los programas cinematográficos. Popular fue el estudio de animación Terrytoons y su personaje más famoso, Woody Woodpecker. Warner Bros. creó entonces su propio estudio de animación, produciendo la serie Looney Toons, en la que personajes como Bugs Bunny, el Pato Lucas (Daffy Ducky) el Cerdo Porky (Porky Pig) poco a poco iban ganando popularidad, y al mismo tiempo intentaba orientar parte de su producción hacia un público adulto. Disney, que gozó de popularidad con los cortometrajes protagonizados por Micky, el Pato Donald y Goofy, estrenó el primer largometraje de animación de la historia, Blancanieves y los siete enanitos, en 1937. Siguió su enorme éxito en la década de 1940, cuando alcanzó la cima de las posibilidades tecnológicas de la época con Pinocho (1940), Fantasía (1940), Dumbo (1941) y Bambi (1942). En respuesta a Disney, los hermanos Fleischer idearon una adaptación animada de Los viajes de Gulliver (1939), pero no consiguieron el mismo resultado que con Blancanieves y los siete enanitos.

 

El auge de la televisión en la posguerra

En la década de 1940, se hizo popular una serie de dibujos animados cortos de comedia física, protagonizados por los personajes el Gato Tom (Tom Cat) y Jerry el ratón (Jerry Mouse), que se enfrentaban sin diálogo, pero con efectos de sonido y gags cómicamente violentos. El periodo relacionado con el transcurso y las secuelas de la Segunda Guerra Mundial supuso una transformación de toda la industria cinematográfica (con el uso de la animación para la propaganda bélica) y después de la guerra, Hollywood tuvo que adaptarse a la llegada de la televisión. Por ello, muchos estudios pasaron a producir programas de animación para la televisión. El único que fue inflexible fue Disney, que en la década de 1950 hizo La cenicienta (1950), Alicia en el país de las maravillas (1951), Peter Pan (1953), La dama y el vagabundo (1955) y La bella durmiente (1959).

Sin embargo, a partir de mediados de la década de 1960, los grandes estudios dejaron de producir nuevos cortos de animación, y los antiguos se trasladaron por completo a la pantalla de televisión. En su lugar, se empezaron a producir series de animación diseñadas específicamente para la televisión, como Los Picapiedra, El oso Yogi o Scooby-Doo, ¿dónde estás?. Disney estrenó las películas 101 dálmatas (1961), Merlín el encantador (1963) y El libro de la selva (1967), además del enorme éxito de su musical Mary Poppins (1964), nominado a trece premios de la Academia, que combinaba animación y actores reales. Este método aparecía esporádicamente ya en los primeros tiempos de la animación cinematográfica (Alice in the Wooly West, 1926), y también se llegó a utilizar mucho más tarde (¿Quién engañó a Roger Rabbit?, 1988).

 

El cine para adultos y el declive de Disney

A finales de los años 60 y 70, diversas influencias también propiciaron tendencias a aumentar la producción de películas de animación para adultos. Se realizaron películas como El submarino amarillo (1968), una ilustración psicodélica de las canciones de los Beatles, y la de «underground» El Gato Fritz (1972), que, por su representación del ambiente de la moral en decadencia de las drogas y el sexo casual, fue la primera película de animación de la historia a la que se concedió la calificación X, que hasta aquel momento se había otorgado casi exclusivamente a la pornografía. El creador de El Gato Fritz, Ralph Bakshi, estuvo después detrás de Los hechiceros de la guerra (1977), Tygra, hielo y fuego (1983) y la adaptación animada de El señor de los anillos (1978).

En la década de 1970, marcada por la muerte de Walt Disney en 1966, la empresa Disney distribuyó una serie de películas de perfil relativamente bajo y no muy exitosas, como Los aristogatos (1970), Robin Hood (1973), Lo mejor de Winnie the Pooh (1977) y Los rescatadores (1977). El período de decadencia continuó en la década de 1980, cuando Disney estrenó Tod y Toby (1981) y Tarón y el caldero mágico (1985), que, con su enorme presupuesto y sus escasas ventas, estableció un nuevo récord de fracasos de Disney. No fue hasta Basil, el ratón superdetective (1986) y Oliver y su pandilla (1988) y, sobre todo, La sirenita (1989), que en términos de respuesta del público siguieron el período dorado de Disney de principios de los años 40 y anunciaron una nueva edad de oro de los años 90, durante la cual Disney hizo algunos de sus clásicos más famosos, recuperando por fin el dinero invertido.

La competencia de Disney en la década de 1980 fue principalmente la súper exitosa En busca del valle encantado (1988), producida por Steven Spielberg, y varias series de televisión, como Los Simpson, creada por Matt Groening en 1987. En 1981, se lanzó la televisión por cable MTV, que popularizó muchos vídeos musicales animados. La animación empezó a aparecer en los anuncios (algunas series infantiles de la época eran como anuncios de juguetes, véase Transformers, G.I. Joe o My Little Pony) y también se utilizó como soporte de largometrajes. Un corto de animación con Roger Rabbit, Dolor de barriga (1989), llegó a los cines como precuela de la comedia familiar Cariño, he encogido a los niños (1989). En el musical Pink Floyd: El muro (1982) se insertaron unos 15 minutos de secuencias animadas y, con el desarrollo de los ordenadores, se empezó a utilizar la animación por ordenador (en gran parte por primera vez en la película TRON de 1982).

 

Los años dorados de Disney y el dominio de Pixar

Disney inició un renacimiento en la década de 1990, cuando La bella y la bestia (1991), la primera película de animación de la historia nominada al premio Óscar en la categoría de Mejor Película), Aladdin (1992) y El rey león (1994) batieron récords de taquilla tres veces consecutivas. Las películas posteriores Pocahontas (1995), El jorobado de Notre Dame (1996), Hércules (1997), Mulan (1998) y Tarzán (1999) también entran en este periodo. La única excepción es la película Los rescatadores en Cangurolandia (1990), que, por otro lado, no tuvo demasiado éxito e hizo que Disney desde entonces lanzaba las secuelas de todas sus películas solamente en vídeo y DVD (hasta 2018, cuando se estrenó Ralph rompe Internet). El éxito de Los Simpson llevó al mundo de la televisión las series South Park, Padre de familia y Futurama, y las series de animación también tuvieron un gran auge en el canal de televisión por cable Cartoon Network.

La animación por ordenador empezó a estar en el primer plano en la década de 1980, pero no fue hasta la década de 1990 cuando realmente experimentó el verdadero auge. En 1986, Steve Jobs compró de George Lucas la empresa tecnológica Graphics Group y la empezó a llamar Pixar. Con el tiempo, la empresa, que se dedicaba principalmente al hardware y software para gráficos por ordenador, se convirtió en un estudio de animación que hacía cortometrajes de animación tridimensional cuyo objetivo principal era, en un principio, demostrar las posibilidades de los gráficos por ordenador a los clientes potenciales. Disney se fijó en los cortos y firmó un contrato de tres películas con Pixar. La primera de ellas, Toy Story (Juguetes) (1995), tuvo un éxito increíble en el cine y revolucionó el campo de la animación.

En los diez años siguientes, Pixar produjo otros cinco largometrajes que fueron muy apreciados por el público y la crítica. Películas Bichos, una aventura en miniatura (1998), Toy Story 2: Los juguetes vuelven a la carga (1999), Monstruos, S.A. (2001), Buscando a Nemo (2003) y Los increíbles (2004) hicieron que Pixar se convirtiera en el mejor estudio de animación del mundo. Esta reputación se confirmó en los años siguientes con Cars (2006), Ratatouille (2007), WALL-E: Batallón de limpieza (2008), Up (2009) y Toy Story 3 (2010). Irónicamente, el declive de la calidad de Pixar se produjo sólo después de que fuera comprada en 2006 por Disney, que hasta entonces también había estado luchando por competir con las películas de animación tridimensional Chicken Little (2005) y Descubriendo a los Robinsons (2007).

 

El ascenso de otros estudios de animación

En el campo de la animación 3D, Disney comenzó a tener éxito con el estreno de Bolt (2008) y Enredados (2010), mientras que hasta entonces le iba bien sobre todo con la animación clásica, que fue utilizada en El emperador y sus locuras (2000), Atlantis: el imperio perdido (2001), Lilo & Stich (2002), El planeta del tesoro (2002) y Tiana y el sapo (2009). Otros grandes competidores en el mercado de la animación eran la empresa Blue Sky con la serie Ice Age: La edad de hielo (desde 2002) y Dreamworks con Antz (Hormigaz) (1998), El príncipe de Egipto (1999) y la serie Shrek (desde 2001). En 2002, se introdujo la categoría de Mejor Película de Animación en los premios Óscar, y fue justamente la película Shrek, que parodiaba los clichés de los cuentos de hadas, la que ganó el primer premio.

La primera década del siglo XXI también mostró que la animación en 3D se convertiría en la corriente principal del cine de animación. A partir de 2009 (por primera vez con Monstruos contra Alienígenas), las películas de animación en 3D se estrenaban también en versión de gafas 3D, proporcionando una experiencia de visualización espacial. En 2011 y 2012, Disney intentó tener éxito con la distribución renovada de algunos títulos más antiguos, convertidos adicionalmente a 3D, pero este paso no salió bien desde el punto de vista financiero, por lo que esta estrategia se abandonó rápidamente y desde entonces solo se han convertido a 3D las nuevas películas de animación.

En aquella época, Disney también distribuyó sus nuevas películas - ¡Rompe Ralph! (2012), Frozen, el reino del hielo (2013) y Big Hero 6 (2014), y Pixar hizo lo mismo con Brave (Indomable) (2012) y Del revés (Inside Out) (2015). Dreamworks se hizo un nombre con la serie de películas de Madagascar (desde 2005), Kung Fu Panda (desde 2008) y Cómo entrenar a tu dragón (desde 2010). El estudio Blue Sky tuvo éxito las dos películas de Río (2011 y 2014), Sony con la serie Hotel Transilvania (desde 2012) e Illumination Entertainment con la serie Gru: Mi villano favorito (desde 2010). También cabe destacar al estudio Laika y sus películas rodadas con animación de marionetas en «stop motion», como Los mundos de Coraline (2009), Kubo y las dos cuerdas mágicas (2016) o Mr. Link. El origen perdido (2019).

 

Producciones animadas no convencionales

Además, a la animación se dedicaron de vez en cuanto también los cineastas como Tim Burton y Wes Anderson, en su mayoría directores de largometrajes conocidos por sus estilos visualmente distintivos. Esto dio lugar a las películas de marionetas Pesadilla antes de Navidad (1993), La novia cadáver (2005), Fantástico Sr. Fox (2009) e Isla de perros (2018). Para variar, el director Robert Zemeckis empezó a experimentar con la tecnología de captura de movimiento, que le permitía grabar las interpretaciones de movimiento de los actores en un ordenador y luego imprimirlas en modelos animados; así es como Zemeckis dirigió las películas Polar Express (2004) y Cuento de Navidad (2009). La continuación del género de películas de animación para adultos fueron, por ejemplo, las películas South Park: Más grande, más largo y sin cortes (1999) y La fiesta de las salchichas (2016) o la sátira de marionetas Team America: La policía del mundo (2004) y las series Ugly Americans (desde 2010), Rick y Morty (desde 2013) y BoJack Horseman (desde 2014).

Además, el periodo comprendido entre 2010 y 2020 estuvo marcado por un aluvión de películas de animación en 3D procedentes de Europa, Asia, África y Sudamérica, que intentaron, con mayor o menor éxito, abrirse paso en este mercado e igualar lo más destacado de empresas ya consolidadas como Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio (Paramount Pictures, 2011), La LEGO® película (Warner Bros, 2014), Zootrópolis (Disney, 2016), Coco (Pixar, 2017) y Spider-Man: Un nuevo universo (Sony, 2018). De esta manera, a la distribución extranjera llegaban sin problemas también películas de animación de Rusia (La reina de las nieves, 2012), España (Las aventuras de Tadeo Jones, 2012), Sudáfrica (Khumba, 2013), Malasia (Ribit, 2014), Luxemburgo (Richard, la cigüeña, 2017) o Bélgica (Corgi, las mascotas de la reina, 2019).

 

Animación europea

Sin embargo, en los países europeos, y en otras partes del mundo, las películas de animación habían aparecido mucho antes. En Europa, la animación se viene utilizando desde la década de 1930, sobre todo en obras experimentales que aprovechaban que la animación no consumía demasiados costes ni otros recursos para su producción. La mayoría de los animadores europeos despreciaban la animación clásica de dibujos animados, asociándola con la orientación de mercado de Hollywood, y en su lugar utilizaban el método de animación por fases de «stop motion», creando la ilusión de movimiento mediante el encuadre sucesivo de fotogramas individuales. La animación se utilizaba en anuncios y cortometrajes abstractos. En el Reino Unido, el director Len Lye, por ejemplo, experimentó con la animación pintando a mano directamente sobre el material cinematográfico.

La Segunda Guerra Mundial frenó el desarrollo de la animación en Europa, pero varios países de Europa del Este, como Hungría, Bulgaria y sobre todo Polonia, se convirtieron en superpotencias de la animación en las décadas de 1950 y 1960. La primera película de animación polaca fue Janosik (1954), cuyos autores, Wlodimierz Haupe y Halina Bielinska, ganaron más tarde el premio al mejor cortometraje en el Festival de Cannes por The Changing of the Guard (1959). Los animadores polacos Jan Lenica y Walerian Borowczyk hacían cortometrajes de animación caracterizados por su atmósfera pesimista y surrealista, como, por ejemplo, House (1958). En la segunda mitad del siglo XX, las mayores personalidades del cine de animación polaco fueron Miroslaw Kijowicz, Daniel Szczechura y Stefan Schabenbeck. Zbigniew Rybczynski ganó un Óscar por su cortometraje de animación Tango (1981) y el trabajo del director y animador Piotr Dumała en Freedom of the Leg (1989) y Crime and Punishment (2000) también fue muy importante.

István Kiszly Kató es considerado el fundador de la animación húngara, gracias al cual se hacían cortos de animación en Hungría desde 1914. En la década de 1950 se fundó en Hungría el estudio de animación Pannonia, que alcanzó la atención internacional en la década de 1960. La serie de televisión húngara Gustavus se vendió a más de setenta países en la segunda mitad de los años sesenta. Marcell Jankovics también fue un importante animador húngaro, que triunfó en Cannes con su cortometraje Fight (1977) y trabajó en la película The Tragedy of Man (2011) durante más de veinte años. En Bulgaria, la animación empezó a subir de calidad desde los años 60 gracias al estudio Sofia. En las décadas siguientes, se produjeron en Bulgaria muchos cortometrajes de animación artística. Sin embargo, el paso de los proyectos fuertemente de autor a la animación dirigida a un público más amplio no se produjo en Hungría y Bulgaria en mayor medida hasta el cambio de milenio.

 

Animación en Francia

Francia siempre ha tenido una posición privilegiada en la animación europea, cuya historia de la animación es una de las más largas del mundo y se remonta a finales del siglo XIX - el inventor del praxinoscopio mencionado en la introducción fue el francés Charles-Émile Reynaud. El primer largometraje de animación francés fue The Story of the Fox de 1930, que recibió una banda sonora alemana siete años después y una francesa en 1941. El premiado director Jean-Francois Laguionie, creador de películas rodadas mucho más tarde El lienzo (2011) y The Prince’s Voyage (2019), realizó su primer cortometraje de animación en 1965. En 1967 se empezó a rodar en Francia una serie de películas basadas en el famoso cómic, cuya primera parte, Astérix el galo, se realizó sin el conocimiento de los autores del cómic, René Goscinny y Albert Uderzo, que luego trabajaron como directores en la siguiente película de la serie, Astérix y Cleopatra (1968).

Otra película notable es la de ciencia ficción francesa El planeta salvaje (1973), animada en Checoslovaquia y cuyo creador, René Laloux, dirigió posteriormente Los amos del tiempo (1982) y Gandahar: Los años luz (1988). En televisión, la serie de animación Inspector Gadget (desde 1983) y la serie inspirada por el cómic belga Las aventuras de Tintín (desde 1990) fueron muy populares en Francia. Un gran avance en el campo de la animación cinematográfica francesa fue Bienvenidos a Belleville (2003), que fue nominada a dos premios de la Academia - mejor película de animación y mejor canción - y cuyo director, Sylvain Chomet, triunfó posteriormente también con El ilusionista (2010). Otras películas nominadas al Óscar son Persépolis (2007), Un gato en París (2010) y ¿Dónde está mi cuerpo? (2019), pero también cabe destacar el gran éxito de El principito (2015), la película de aventuras El techo del mundo (2015) y la trilogía de Luc Besson Arthur y los Minimoys (desde 2006).

 

La animación británica y el éxito de la plastilina

El primer largometraje de animación británico fue la satírica Rebelión en la Granja, de 1954, una fábula crítica con el comunismo y la dictadura que dio lugar a la primera introducción de una serie de profesiones relacionadas con la animación cinematográfica en el país. Orejas largas (1978) también fue un gran éxito internacional. Sin embargo, no fue hasta Aardman Animations, el estudio que utilizaba la animación en volumen y figuras de plastilina maleables, cuando Gran Bretaña se hizo un hueco en la historia del género de la animación cinematográfica.

El director Nick Park presentó a Wallace, el muñeco de plastilina, y a su perro Gromit, e rodó un cortometraje con ellos llamado Wallace y Gromit: La gran excursión (1989). Luego, cuando hizo con los mismos personajes la película Wallace y Gromit: Los pantalones equivocados (1993) y ganó un Óscar por ella, el estudio consiguió por fin reunir los fondos suficientes para un largometraje. Y fue rodado Chicken Run: Evasión en la granja (2000), seguido de películas Wallace & Gromit: La maldición de las verduras (2005), dos películas con la oveja Shaun (La oveja Shaun: La película de 2015 y La oveja Shaun. La película: Granjaguedón de 2019) y Arthur Christmas: Operación regalo (2011), que ya fue creada con animación tridimensional por ordenador estándar.

 

La tradición de la animación de marionetas en Checoslovaquia

En comparación con Francia o Gran Bretaña, la animación checoslovaca tiene una larga historia de trabajo con marionetas. Los primeros estudios cinematográficos dedicados a la producción de películas de animación se fundaron en Checoslovaquia en 1939, en Zlín, bajo el nombre FAB - Filmové Ateliéry Baťa, construidos originalmente para el rodaje de anuncios publicitarios. El primer cortometraje checoslovaco de animación Ferda the Ant (1944) fue al mismo tiempo una película de marionetas, realizada por Hermína Týrlová, empleada de los estudios de Zlín. Su segunda experiencia con el cine fue la animación en la película The Christmas Dream (1945), de Bořivoj Zeman, en el que colaboró con Karel Zeman, que había empezado a trabajar como su asistente en 1942. Fue justamente Karel Zeman quien más tarde se convirtió en una de las principales figuras de la animación checa con sus largometrajes Journey to the Beginning of Time (1955), Una invención diabólica (1958), El barón fantástico (1961) y The Stolen Airship (1966), en los que combinó a actores reales con elementos de animación y marionetas, así como películas puramente de animación como El aprendiz de brujo (Krabat) (1977) y The Tale of John and Mary (1980).

Las películas de animación en Checoslovaquia se utilizaban principalmente en las series de televisión para niños. A partir de la década de 1950, se produjeron varias series cortas de animación, que se agruparon en el programa infantil Večerníček a partir de 1965. La más famosa de ellas es probablemente la serie Little Mole (desde 1957), en la que el animador Zdeněk Miler creó el personaje del topito que luego se convirtió en un símbolo de la animación checa. Otros dibujos animados muy populares son Fairy Tales from Moss and Fern (desde 1968), Pat & Mat (desde 1976) y Bob and Bobby - Top Hat Rabbits (desde 1979).

Jiří Trnka fue también una importante personalidad del cine de animación checoslovaco. Fue un artista versátil que trabajó con el Teatro Nacional como diseñador de decorados y vestuario. Más tarde empezó a diseñar trajes para cineastas, y en 1945 fundó el estudio de animación Bratři v triku y en 1947 creó también un estudio de cine de marionetas. Se hizo famoso sobre todo por sus películas de marionetas Prince Bayaya (1950), Old Czech Legends (1952) y Sueño de una noche de verano (1959). Jan Švankmajer, que utilizó marionetas, máscaras y elementos de animación en sus largometrajes de estilo surrealista Alice (1988), Faust (1994), Los conspiradores del placer (1996) y El pequeño Otik (2000), se hizo famoso por su imaginativa animación en volumen.

 

Desarrollo de la animación en otros países europeos

En otros países europeos, sólo unos pocos estudios de animación estaban activos desde la década de 1970 aproximadamente, cuando se producían series de televisión infantiles animadas, cuyos productores a menudo encontraban rentable trabajar con animadores de Japón; así surgió por ejemplo La abeja Maya (desde 1975). En los festivales de cine aparecían cortometrajes de animación de cineastas independientes, a menudo películas realizadas, por ejemplo, en la Unión Soviética. Con el paso del tiempo, muchos países consiguieron afianzarse en el mercado de la animación incluso frente a la competencia internacional, gracias a títulos distintivos e individuales como Vals con Bashir (Israel y Francia, 2008), Loving Vincent (Polonia, 2017) o Klaus (España, 2019). Las películas animadas irlandesas de fantasía del director Tomm Moore, El secreto del libro de Kells (2009), La canción del mar (2014) y Wolfwalkers (2020), inspiradas en la mitología irlandesa y celta, también alcanzaron el éxito internacional.

La tradición de la animación de marionetas checoslovaca continuó en la República Checa tras el cambio de milenio, por ejemplo, con el trío de películas basadas en la colección de cuentos de hadas Fimfarum de Jan Werich (desde 2002) y con la obra del animador Jan Balej, autor de las películas One Night in City (2007) y Little from the Fish Shop (2015). Desde entonces, la animación checa también ha intentado igualar la animación 3D extranjera, especialmente en las películas Goat Story: The Old Prague Legends (2008), The Oddsockeaters (2016) o Harvie y el museo mágico (2017). Una posición atípica dentro del cine checo la ocupó la película de cómic Alois Nebel (2011), realizada con el método de rotoscopia antes mencionado, en el que toda la película se rodó primero con actores reales y luego se redibujó a mano, fotograma a fotograma, y se editó posteriormente en ordenador. Las películas americanas de Richard Linklater Waking Life (2001) y A Scanner Darkly: Una mirada en la oscuridad (2006) fueron realizadas de forma similar.

 

Anime japonés

Los animadores japoneses también tienen una importancia especial en la animación, ya que lograron crear su propio estilo distintivo de animación manual, conocido como anime. Debido a la falta de métodos de animación, ésta se creaba haciendo hincapié en las cualidades artísticas de la imagen y no en su movimiento; por ejemplo, era habitual prestar mucha atención a la creación de fondos, que, gracias a su sofisticación y detalle, ayudaban a conformar la atmósfera general. El primer largometraje de anime fue la película bélica de 1945 Momotaro: Sacred Sailors, patrocinada por la Armada Imperial Japonesa. El anime se ponía en la televisión aproximadamente desde principios de la década de 1960 y, más o menos, al mismo tiempo se introdujo en el mercado extranjero. Algunas de las películas se hicieron con la intención directa de llegar a las pantallas de televisión estadounidenses, como Astro Boy (desde 1963), Sally la maga (desde 1966) o Meteoro (desde 1967). En Japón, en cambio, la serie Sazae-san ya era muy popular en esa época, pues se ponía ininterrumpidamente desde 1969 y, con más de 7.500 episodios, figuraba en el Libro Guinness de los Récords como la serie más longeva de la historia (la producción de nuevos episodios sólo se interrumpió en 2020 por la epidemia de coronavirus).

Durante la década de 1970, en Japón aumentó la popularidad del cómic manga, que enriqueció el anime con algunas características y géneros típicos y lo introdujo en el arte contemporáneo. Inusual para el público extranjero era, por ejemplo, el subgénero llamado mecha, protagonizado por robots gigantes, o el hentai, que giraba en torno a temas eróticos y pornográficos. En la década de 1980, el anime se convirtió en la corriente principal y experimentó un gran auge, apoyado por la creación de un gran número de títulos. En la década de 1990, el anime cinematográfico comenzó a expandirse ampliamente en los mercados extranjeros. En los clásicos se convirtieron Akira (1988), Ghost in the Shell (1995) y Perfect Blue (1998), pero la mayor leyenda entre los cineastas fue el estudio Ghibli y su representante Hayao Miyazaki, que dirigió, entre otras, las películas Nausicaä del Valle del Viento (1984), Mi vecino Totoro (1988), Porco Rosso (1992) y La princesa Mononoke (1997), además de El viaje de Chihiro (2001), que fue galardonada con un Óscar.

Otros cineastas japoneses, que hay que mencionar, son Mamoru Hosoda, que realizó Summer Wars (2009) y Wolf Children (Los niños lobo) (2012), Shigeyuki Hayashi, creador de Galaxy Express 999 (1979), Isao Takahata, que dirigió La tumba de las luciérnagas (1988) y Pompoko (1994), Yoshiaki Kawajiri con sus películas Wicked City: La ciudad maldita (1987), Ninja Scroll (1993) y Vampire Hunter D: Bloodlust (2001), o Makoto Shinkai, cuyo Your Name. (2016) se convirtió en la película de anime más taquillera de todos los tiempos, superando a El viaje de Chihiro. Entre las series de anime más populares a largo plazo se encuentran Dragon Ball (desde 1986), One Piece (desde 1999), Pokémon (desde 1997), Naruto (desde 2002), El alquimista de acero (desde 2003), Death Note (desde 2006) y Ataque a los titanes (desde 2013).

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